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Musical!

Durante el mes de febrero, malba.cine recorre el género musical en todas sus variantes, desde sus inicios con El cantor de jazz (1927) hasta los documentales sobre rock'n'roll, pasado por la opereta europea de comienzos del sonoro, la influencia de Broadway, las películas dedicadas a estrellas populares (Beniamino Gigli, Zarah Leander, Carlos Gardel, Bing Crosby, The Beatles, etc.), los económicos musicales hechos en tiempo de guerra o los despliegues en Technicolor promovidos por el productor Arthur Freed durante la década de 1950. También tendrán su espacio las personalísimas evocaciones del género realizadas después de su apogeo por creadores como Francis Ford Coppola o Alain Resnais.

El cantor de jazz (The Jazz Singer, EUA-1927) de Alan Crosland, c/Al Jolson, May McAvoy, Warner Oland, Eugenie Besserer, Otto Lederer, William Demarest, Roscoe Karns. 89’.

Domingo 5

14:00

No fue el primer film sonoro, aunque se lo sigue mencionando como tal, pero sí logró con su éxito sin precedentes que la industria decidiera virar definitivamente hacia el sonido, asumiendo una de las mayores transformaciones de su historia. Ese éxito se debió sobre todo a la inmensa popularidad y al carisma de su protagonista Al Jolson, cuya propia vida tenía varios puntos de contacto con la historia narrada en el film.

El desfile del amor (The Love Parade, EUA-1929) de Ernst Lubitsch, c/Maurice Chevalier, Jeanette MacDonald, Lupino Lane, Lillian Roth, Eugene Pallette. 107’.

Jueves 9

18:00

La reina de Sylvania se casa más por interés del reino que por amor, lo que provoca una serie de enredos. Fue el primer trabajo sonoro de Lubitsch, una de sus muchas obras maestras, y un ejemplo que suele olvidarse a la hora de enumerar los films que desafiaron (y vencieron) las limitaciones técnicas de los nuevos equipos. El actor  Lupino Lane había sido un destacado cómico durante el cine mudo y aquí utiliza esa experiencia en un papel secundario.

Café vienés (Es war einmal ein Walzer, Alemania-1932) de Victor Janson, c/Martha Eggert, Hermann Blass, Fritz Greiner, Paul Horbiger. 80'.
Sábado 11

14:00

Música y desarrollo argumental aparecen tempranamente unidos en las comedias musicales austríacas y alemanas de comienzos del sonoro, como Café vienés. La influencia obvia es la opereta, pero el film (escrito por Billy Wilder) está muy lejos de ser teatro filmado. Por el contrario, se destaca por tener escenas completas que se desarrollan en términos exclusivamente visuales y por el ingenio en la puesta en escena para contar una historia de enredos y romance.

Melodía de arrabal (EUA, 1933) de Louis Gasnier, c/Carlos Gardel, Imperio Argentina, Vicente Padula, Jaime Devesa, Helena D’Algy. 88’.
Sábado 11

16:00

Un cantor de cafetines, hábil para los naipes, hace fortuna en el juego. Luego procura pasar a la legitimidad como cantante pero, ya se sabe, el pasado vuelve a enfrentarse con su vida. Híbrido de híbridos, este film es una producción norteamericana, filmada en Francia, y ambientada en Argentina. El arrabal del título, un elaborado decorado construido en los estudios Joinville de París, tiene un aspecto que recuerda más a Marsella que a Barracas. Pero aparece Gardel y nada de todo ello importa.

No me olvides (Vergiss mein nicht, Alemania / Italia / Gran Bretaña-1935) de Augusto Genina, c/Beniamino Gigli, Peter Bosse, Kurt Vespermann, Magda Schneider, Siegfried Schürenberg. 105’.
Sábado 4

14:00

Tras sufrir un desengaño amoroso, una muchacha acepta casarse con un famoso tenor al que admira. El famoso tenor es nada menos que el gran Beniamino Gigli, en su primer papel cinematográfico. Genina realizó el film con su característica imaginación formal, que se advierte especialmente en un extenso y virtuoso montaje realizado para condensar en diez minutos una gira mundial del protagonista. Este film es una curiosidad muy poco vista, porque se hizo en varios idiomas y normalmente circula la versión en italiano o la inglesa, pero no la alemana, que es la más extensa. Esa es precisamente la copia adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

El día que me quieras (EUA-1935) de John Reinhardt, c/Carlos Gardel, Rosita Moreno, Tito Lusiardo, Manuel Peluffo, José Luis Tortosa. 82’.
Sábado 4

16:00

En sus películas, que fueron en su mayor parte melodramas en el sentido más riguroso del término, Gardel logró dar forma cinematográfica a las convenciones tradicionales del tango. Inventó así una suerte de opereta tanguera donde las canciones guardan siempre estrecha relación con el argumento. Estrenada inmediatamente después de su muerte, El día que me quieras se convirtió en un clásico instantáneo, y fue, junto con Cuesta abajo, su mejor film. Entre sus muchos momentos notables destaca una escena en que, con ayuda de Tito Lusiardo y Miguel Peluffo, el ídolo se ríe de sí mismo y canta mal.

Dinero del cielo (Pennies from Heaven, EUA-1936) de Norman Z. McLeod, c/Bing Crosby, Madge Evans, Edith Fellows, Louis Armstrong. 80´.
Domingo 12

14:00

Rara ocasión de ver este musical que es contemporáneo -y se refiere- a la gran depresión económica que sufrió Estados Unidos durante la década del treinta. Crosby interpreta a un moderno trovador que recorre el país sin rumbo fijo, viviendo a la gorra de su canto y su laúd. El film contiene una intervención de Louis Armstrong como actor, cuya culminación es un extenso número musical a cargo del trompetista y sus All Stars.

Ritmo loco (Swing Time, EUA-1936) de George Stevens, c/Fred Astaire, Ginger Rogers, Victor Moore, Helen Broderick, Eric Blore. 103’.
Domingo 12

16:00

Fred Astaire y Ginger Rogers constituyeron a lo largo de una decena de películas una de las parejas más populares de la historia del cine a partir de la formidable química -no exenta de un latente erotismo- que se entablaba entre el estilo grácil y elegante de él y las maneras algo más toscas y vulgares de ella. Ritmo loco -a pesar de estar realizada por un director que no era un especialista en el género- es uno de los mejores trabajos de la dupla, con notables coreografías de Hermes Pan y una memorable banda musical de Jerome Kern y Dorothy Fields que incluye hits, como A Fine Romance y The Way You Look Tonight. El homenaje de Fred Astaire a “Mr. Bojangles” es uno de los grandes números musicales de todos los tiempos. Texto de Jorge García

La rosa de Broadway (Rose of Washington Square, EUA-1939) de Gregory Ratoff, c/Tyrone Power, Alice Faye, Al Jolson, William Frawley, Joyce Compton, Hobart Cavanaugh, Louis Prima. 89’.

Domingo 5

16:00

Una joven cantante (Faye) asciende en el mundo del espectáculo mientras procura encarrilar al hombre que ama (Power), un estafador de poca monta. La trama se inspiraba en la biografía de Fanny Brice, que llegó a ser una leyenda en Broadway, y estuvo efectivamente enamorada de un gángster menor llamado Nicky Arnstein. (Haciendo honor a su profesión, Arnstein hizo juicio a la productora Fox por representarlo sin su permiso y obtuvo una sustanciosa compensación.) Para Jolson supuso el primero de los varios regresos triunfales de su carrera, ya que cada vez que aparece en escena consigue opacar a todo el mundo.

Era una noche embriagadora (Es war eine rauschende Ballnacht, Alemania-1939) de Carl Froelich, c/Hans Stüwe, Leo Slezak, Aribert Wäscher, Zarah Leander, Marika Rökk, Fritz Rasp. 89’
Domingo 25

16:00

Versión libérrima de la biografía de Tchaikovsky, hecha para lucimiento de Zarah Leander, quizá la máxima diva del cine nazi, y de la bailarina Marika Rökk. Pese a las licencias fácticas, la puesta en escena posee una exuberancia romántica y poética que destaca al film entre los muchos similares realizados durante este período. La abundante música es utilizada siempre de manera pertinente al relato y representa a la perfección las turbulencias pasionales que experimentan sus protagonistas.

El último húsar (España / Italia-1940) de Luis Marquina, c/Conchita Montenegro, Luis Sagi Vela, Alberto Romea, Giulio Donadio, Fernando Aguirre. 90’ aprox.

Sábado 15

14:00

Rarísima ocasión de ver esta opereta española, una de las varias coproducciones entre el flamante franquismo y el fascismo italiano. El resultado es bastante ligero y agradable, sin embargo, con abundante música alrededor de una trama típica de confusiones originadas en una serie de cartas enviadas al destinatario equivocado. Fue uno de los poquísimos protagónicos cinematográficos del popular barítono español Luis Sagi Vela (que aún vive, aunque quizá ya no se acuerde).

Bailando nace el amor (You Were Never Lovelier, EUA-1942) de William A. Seiter, c/Fred Astaire, Rita Hayworth, Adolphe Menjou, Leslie Brooks, Xavier Cugat. 97’.
Viernes 3

18:00

Éste es un caso legendario en la historia de las remakes. La comedia romántica Los martes, orquídeas escrita por Sixto Pondal Ríos y Carlos Olivari, consolidó la fama de Mirtha Legrand y se transformó rápidamente en un clásico del cine argentino, pero pocos recuerdan que fue comprada por la Columbia Pictures, transformada en musical y protagonizada por dos de las mayores estrellas de todos los tiempos: Fred Astaire y Rita Hayworth. La trama básica se mantuvo, pero hubo que transformar sustancialmente el personaje femenino que en la versión argentina es una adolescente soñadora y en la norteamericana es una mujer adulta, cansada de rechazar pretendientes (hay que tener en cuenta que Legrand tenía catorce años y Hayworth veinticuatro cuando interpretaron las versiones respectivas). La remake norteamericana se realizó en el marco de la llamada “política de buena vecindad” que Estados Unidos tuvo con Latinoamérica durante la segunda guerra mundial, y de la que Hollywood participó activamente.

Viudas del jazz (Orchestra Wives, EUA-1942) de Archie Mayo, c/George Domingo 19

14:00

Montgomery, Ann Rutherford, Lynn Bari, Glenn Miller y su Orquesta. 98'.
El popular músico Glenn Miller aceptó un contrato con la 20th. Century Fox por dos películas con la condición de que él y su banda las protagonizarían en su totalidad, en lugar de aparecer en forma ocasional para ejecutar uno o dos números. Eso obligó al realizador Mayo a diseñar una serie de complicadas coreografías con su cámara para filmar a la banda de un modo original y entretenido. Los éxitos At Last, Serenade in Blue y I've Got a Girl in Kalamazoo fueron compuestos para este film.

Cara de muñeca (Doll Face, EUA-1945) de Lewis Seiler, c/Vivian Blaine,

Dennis O'Keefe, Carmen Miranda, Perry Como, Martha Stewart. 80’

Jueves 23

18:00

Debido a los prejuicios por su oficio, una bailarina de burlesque no obtiene el papel protagónico en un prestigioso musical en Broadway. Su novio le inventa entonces una ficticia personalidad literaria con ayuda de un escritor fantasma. La trama fue escrita por la legendaria bailarina Gypsy Rose Lee, que en la vida real logró trascender el vaudeville de un modo bastante similar al de su protagonista de ficción. 

Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain, EUA-1952) dir. Gene Kelly y Stanley Donen, c/Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Michell. 102’.
Jueves 2

18:00

Las referencias cinematográficas invaden el asunto del film, que recrea en broma los dramones románticos ambientados en Francia del siglo XVIII (más un toque de Los tres mosqueteros), plantea la difícil transición del cine mudo al sonoro y termina por reproducir, con mucha gracia, las peripecias de la sincronización, del doblaje y del incipiente cine musical de la época. Allí hay episodios de especial humorismo, como las dificultades para esconder un micrófono durante la filmación y como las rabietas que el complicado rodaje puede provocar en un director. Pero las referencias cinematográficas siguen más allá. El gangster que tira al aire una monedita una y otra vez, es una réplica del personaje de George Raft en Scarface y la tonta estrella de voz chillona, notablemente compuesta por Jean Hagen en deliberada caricatura, es una réplica a la Judy Holliday de Nacida ayer, aunque es poco sabido que la propia Hagen hizo ese papel en varias representaciones teatrales de la obra con la que Judy llegó a la fama. En un momento en que el cine musical ha desaparecido de la producción industrial, es una delicia revisar esos bailes que transitan por la acrobacia, el humor y la poesía. (Texto de Homero Alsina Thevenet)

Brindis al amor (The Band Wagon, EUA-1953) de Vincente Minnelli, c/Fred Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant, Nanette Fabray, Jack Buchanan, Ava Gardner. 112’.
Domingo 26

14:00

Los autores Betty Comden y Adolph Green escribieron relativamente pocas películas, pero dos de ellas bastaron para ganarles el cielo: Cantando en la lluvia y Brindis al amor. La misma precisa ironía que ambos habían desplegado para retratar los inicios del cine sonoro en Hollywood aparece aquí aplicada al mundo de los musicales de Broadway. Dos autores (Fabray, Levant) persuaden a un veterano bailarín (Astaire) de participar en una nueva obra, que será transformada en espectáculo delirante por un director excéntrico (Buchanan), más o menos inspirado en la personalidad teatral de Orson Welles. Buena parte del encanto del film surge del humor con que aborda situaciones reales, como las inseguridades profesionales y los egos de los distintos personajes involucrados o la descarnada parodia que Astaire hace de sí mismo, evidente en el comienzo del film, que incluye una memorable aparición no acreditada de Ava Gardner.

Calamity Jane (EUA-1953) de David Butler, c/Doris Day, Howard Keel, Allyn McLerie, Philip Carey, Dick Wesson. 101’. Doblada al castellano.

Viernes 10

18:00

Clásica parodia musical del western, basada en legendarios personajes reales. Doris Day (a quien el cineasta Arturo Ripstein considera “la mejor actriz de la historia del cine”) impone su personalidad en varios temas que se volvieron célebres de inmediato, como Whip Crack Away y sobre todo Secret Love, que quedó asociado para siempre a su repertorio. La copia, única en fílmico disponible en Argentina, está doblada pero las canciones abundan y están en su versión original.

Música y lágrimas (The Glenn Miller Story, EUA-1953) de Anthony Mann, c/ James Stewart, June Allyson, Harry Morgan, Charles Drake. 115´.
Domingo 19

16:00

James Stewart aportó su carismática convicción a esta versión libre de la vida de Glenn Miller, legendario bandleader desaparecido mientras volaba sobre el Canal de la Mancha durante la segunda guerra mundial. Buena parte del encanto del film se debe a que ese final trágico es desdramatizado con eficacia por Anthony Mann, quien prefiere concentrar la acción en las zonas de comedia, en la búsqueda de Miller por un sonido nuevo y propio, y en la música, por supuesto. Además de los temas más célebres del repertorio de Miller, el film contó con participaciones especiales de Gene Krupa, Ben Pollack, Cozy Cole y Louis Armstrong, quien interpreta una memorable versión de Basin Street Blues.

Invitación al baile (Invitation to the Dance, EUA-1952/56) de Gene Kelly, c/Gene Kelly, Diana Adams, Igor Youskevitch, Tamara Toumanova, David Kasday. 93’.
Domingo 26

16:00

En 1952 el bailarín, actor y director Gene Kelly tenía detrás suyo demasiados éxitos sucesivos como para que la productora MGM pudiera rechazarle una idea. El problema era que la idea en cuestión resultaba insólita para el contexto de la producción industrial: Kelly quería hacer un largometraje compuesto por diversos capítulos que se valieran sólo de la música y la danza para desarrollar sus respectivos argumentos.
Así, paradójicamente, una de las estrellas más populares del período tuvo a su disposición los más sofisticados recursos del cine de estudios para realizar un film que resultó completamente experimental. Con el productor Arthur Freed como cómplice, Kelly contrató un elenco notable de bailarines y diseñó, a partir de partituras especialmente compuesta por músicos como Jacques Ibert y Andre Previn, cuatro grandes “cuadros” que finalmente se redujeron a tres luego de el período de rodaje amenazara con volverse interminable.

Orfeo negro (Orfeu negro, Francia / Brasil-1959) de Marcel Camus, c/Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira, Léa Garcia. 107’.
Viernes 17

18:00

La historia de Orfeo y Eurídice fue trasladada por Camus al Brasil contemporáneo en esta fábula musical que llegó a ganar un Oscar por mejor film en idioma extranjero y la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El infierno es el bajo mundo, Orfeo es un joven chofer de tranvía y Eurídice es una muchacha que llega a Río de Janeiro desde el interior del país. No hay duda de que el film es el resultado de la mirada de un extranjero sobre un país que le resulta pintoresco, misterioso y desconocido. Su base fue la obra Orfeu da Conceiçao de Vinicius de Moraes, pero la adaptación fue bastante libre y, entre otras cosas, enfatizó la relación visual con la mitología e introdujo una ceremonia de resurrección espiritual con rituales mágicos. Aunque una parte de la crítica se molestó -y se molesta- por esa perspectiva, lo cierto es que está legitimada por el origen legendario del mito, por la pericia de la realización y por la música de Antonio Carlos Jobim y Luis Bonfa, que dio la vuelta al mundo acompañando el éxito del film.

Anochecer de un día agitado (A Hard Day’s Night, Gran Bretaña-1964) de Richard Lester, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Wilfrid Bramwell, Norman Rossiter, Victor Spinetti. 87’.
Domingo 19

22:00

El lado más alegre del Swinging London surgió aquí en toda su plenitud y Lester demostró que era posible hacer algo original con una banda de rock’n’roll, desmitiendo a casi todos los intentos anteriores. Imágenes de apariencia documental se combinan con otras decididamente experimentales que anticipan el concepto de los modernos videoclips. El film fue además un óptimo vehículo para el sentido del humor de los Beatles, a quienes la crítica comparó entonces con el de los Hermanos Marx. Aunque parezca difícil de creer, en argentina se estrenó con el título Yeah, yeah, yeah.

Submarino amarillo (Yellow Submarine, Gran Bretaña-1968) de George Dunning. 85’. Largometraje de dibujos animados.
Viernes 24

18:00

Los Beatles parten al rescate de Pepperland, lejana tierra arrasada por la invasión antimusical de los perversos Blue Meanies. Inspirado en música y letras del cuarteto de Liverpool, el film contó con diseños originales de Heinz Edelmann, de enorme influencia posterior en la gráfica y la publicidad. El grupo tuvo poco que ver con el film, aunque aportó algunos temas originales e hizo una breve participación en el epílogo.

200 Moteles (EUA, 1971) de Frank Zappa y Tony Palmer, c/Frank Zappa, Mothers of Invention, Theodore Bikel, Ringo Starr, Keith Moon. 98’.
Viernes 10

24:00

En 1971 y con el renuente apoyo de United Artists, Zappa filmó en una semana esta delirante mezcla de musical, ópera-rock y sitcom que transmite con fidelidad el estado catatónico de cualquier banda de rock en ruta. Rodada en videotape para ahorrar costos, la producción sufrió la deserción del director Tony Palmer y Zappa tuvo que asumir él mismo la dirección y el montaje, además de conducir a la banda y a una orquesta contratada para ejecutar música adicional (y que terminó boicoteando la grabación). De alguna manera estaban todos replicando la situación pesadillesca de la ficción, la de una banda en gira donde cada etapa es igual a la siguiente: hotel, concierto, búsqueda de groupies y discusiones internas. La banda son los Mothers of Invention y el papel de Zappa es interpretado por Ringo Starr. Keith Moon también anda por allí, haciendo de una monja groupie. Absurda y ocurrente, 200 Motels es sin embargo considerada “realista” por los músicos, como sucedería después con This is Spinal Tap. Texto de Fernando Chiappussi.

Garganta profunda (Deep Throat, EUA-1972) de Gerard Damiano, c/Linda Lovelace, Harry Reems, Dolly Sharp, Bill Harrison, William Love, Carol Connors, Gerard Damiano. 61’.
Viernes 17

24:00

Una mujer sufre una mutación extraña que incide en su pérdida de placer sexual: tiene el clítoris en la garganta. A la larga descubre que sólo puede alcanzar el orgasmo por vía oral. Garganta profunda quizás haya sido la película porno más influyente de los setenta, sobre todo porque logró romper el cerco de las salas triple X, y se transformó en la película de este tipo que más recaudó en relación con su costo. Poca gente recuerda, sin embargo, que se trata de un film musical en el que cada acto sexual tiene su propia canción. Como ha escrito el crítico e historiador Diego Curubeto, sucede que ambos géneros se parecen mucho.

The Blues Brothers (EUA-1980) de John Landis, c/John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles. 133´.
Viernes 3

24:00

Los hermanos Jake y Elwood procuran volver a reunir su banda para recaudar un dinero necesario para salvar el asilo en que se criaron. Una interminable sucesión de destrozos a gran escala se alterna con memorables números musicales interpretados por artistas como Aretha Franklin, Ray Charles, John Lee Hooker, Cab Calloway y James Brown en este clásico de culto, tristemente estrenado en Argentina con el título Los hermanos Caradura.

Golpe al corazón (One from the Heart, EUA-1982) de Francis Ford Coppola, c/Frederic Forrest, Teri Garr, Raul Julia, Nastassja Kinski, Lainie Kazan, Harry Dean Stanton. 107’.
Domingo 12

22:00

Largamente despreciado, acusado de catástrofe artística y comercial, el primer film de Coppola tras Apocalypse Now sólo debería hacerse cargo del segundo ítem. Cierto es que fue pensada como una pequeña producción de 2 millones y costó 26; cierto es que su desempeño en la taquilla no cubrió ni el 5% de esa cifra; cierto que el director debió declararse en bancarrota. Pero los logros estéticos de este adulto drama musical que sigue a una pareja a través de una larga Noche de la Independencia, rozan lo sublime: algunos de ellos son la extraordinaria banda sonora de Tom Waits; la artificiosa plasticidad del Strip de Las Vegas recreado íntegramente en estudio; y el montaje virtuoso que funde o desune en el mismo plano a Hank y Frannie, sin necesitar para ello más que luces (de neón) y sombras. Texto de Agustín Masaedo y Pablo Marín.

A Chorus Line (EUA-1985) de Richard Attenborough, c/Michael Blevins, Yamil Borges, Jan Gan Boyd, Sharon Brown. 113´.
Jueves 16

18:00

La adaptación cinematográfica de obras musicales de Broadway es prácticamente un género en sí mismo. A Chorus Line es un buen ejemplo de este tipo de films, en primer lugar por su decisión de respetar el espacio predominantemente escénico de la acción, y en segundo lugar porque la obra original es el musical de backstage por excelencia, responsable de compilar -y en algún caso redefinir- todos los lugares comunes relacionados con aspirantes a la fama.

U2: Rattle and Hum (EUA, 1988) de Phil Joanou, c/Bono, The Edge, Adam Clayton, Larry Muller, Jr., B. B. King, Phil Joanou. 99’.
Domingo 5

22:00

Documental realizado durante el tour homónimo de U2 por Estados Unidos, a fines de 1987. La banda se encontraba en lo que muchos consideran su mejor momento, tras grabar el disco Joshua Tree.

1991: The Year Punk Broke (EUA-1991) de Dave Markey, c/Mark Arm, Kat Bjelland, Kurt Cobain, Don Fleming, Kim Gordon, Thurston Moore. 99’.
Viernes 24

24:00

Invitado a una gira por Europa de Sonic Youth, el realizador Markey filmó durante diez días los diferentes shows y el backstage con una cámara de súper 8mm. Su amistad con el cantante Thurston Moore -que aquí oficia de maestro de ceremonias- le permitió moverse en un clima relajado. El grupo suena como una topadora en su primera gira importante y es obvio que los músicos eligieron tomar con sarcasmo la atención desmedida que reciben en cada lugar. Lo mismo ocurre con sus teloneros Nirvana, que parecen una banda enérgica y feliz, lejos del aire trágico con que hoy se la recuerda. Lejos de MTV y cerca del espíritu festivo de una home movie, este film es el testimonio definitivo del movimiento grunge. Texto de Fernando Chiappussi.

Conozco la canción (On connait la chanson, Francia-1997) de Alain Resnais, c/Pierre Arditi, Sabine Azéma, Jean-Pierre Bacri, Agnes Jaoui, Lambert Wilson, Jane Birkin. 120’.
Domingo 26

22:00

Hay una trama que involucra a seis personajes principales y las correspondientes relaciones que éstos procuran establecer entre sí, pero el film ha quedado en la Historia por el modo en que Resnais utilizó una extensa nómina de canciones populares para subrayar el tono anímico de cada situación. En lugar de valerse de esos temas como música de fondo o de hacer un musical en el que sus intérpretes los cantasen, prefirió usar las versiones originales y pedir que sus actores hicieran playback. El resultado es la comedia romántica más original de los últimos años, que alterna extrañamente este recurso surrealista con el más riguroso naturalismo. En su momento, el film recordó además que Resnais seguía siendo un cineasta revolucionario.

///////////destacado

The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975) de Jim Sharman, c/Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Jonathan Adams. 100’.
Sábados a las 24:00

La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título “Orgía de horror y locura”.