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CICLO

El mes de las películas eternas

Durante todo el mes

La decisión de que un relato cinematográfico se prolongue mucho más allá de las convenciones comerciales es relativamente poco usual y desafiante, porque pone en tensión las exigencias industriales de la producción audiovisual. Pero a veces esa tensión es necesaria, ya sea por necesidades narrativas específicas, por temperamento creador o porque la industria decide que el riesgo vale la pena. Y el resultado son esas rarezas del cine que superan (a veces, que superan mucho) las dos horas y media. Durante septiembre, malba.cine se atreve a  ofrecer una selección de estas anomalías, en su mayor parte en copias nuevas de 35mm. Se verán, entre otros, films de Ingmar Bergman, Raymond Bernard, Michael Cimino, David W.Griffith, Jacques Rivette, Raoul Ruiz, Paolo y Vittorio Taviani, Robert Wise y Franco Zeffirelli. 

Amores perros (2000) de Alejandro González Iñárritu, c/Gael García Bernal, Emilio Echevarría, Goya Toledo, Álvaro Guerrero, Vanessa Bauche, Jorge Salinas, 153’.

Un fatal accidente automovilístico en la Ciudad de México conecta tres

historias que muestran distintos aspectos de la sociedad mexicana. Octavio,

un joven adolescente, decide fugarse con la esposa de su hermano. Al

mismo tiempo, Daniel, un hombre de 42 años, deja a su esposa e hijos para

irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo. Al lugar del accidente también

llega El Chivo, un ex guerrillero comunista que estuvo en la cárcel y que

ahora, decepcionado de la vida, se dedica a asesinar a sueldo.

Anatomía de un asesinato (Anatomy of a Murder, EUA-1959) de Otto Preminger, c/James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O'Connell, Eve Arden, Kathryn Grant, George C. Scott. 160’. 
Preminger ya había desafiado a la autocensura de Hollywood tratando temas prohibidos en La luna es azul y El hombre del brazo de oro, y volvió a hacerlo en esta película, basada en un caso real y ambiguo, en cuyas circunstancias se diluyen los límites nítidos entre el bien y el mal. Logró también uno de los mejores dramas judiciales jamás realizados, mediante una adaptación que logra suspenso evitando los lugares comunes, una puesta de rigurosa intención realista, un elenco irrepetible y la insólita decisión de encargar la banda sonora a Duke Ellington. 

Intolerancia (Intolerance, EUA-1916) de David Wark Griffith, c/Robert Harron, Mae Marsh, Constance Talmadge, Alfred Paget, Seena Owen, Bessie Love, Eugene Pallette. 170’ aprox. 
Griffith invirtió en Intolerancia la inmensa fortuna que había obtenido gracias al éxito previo de El nacimiento de una nación (1915). También decidió llevar a un inédito nivel experimental las técnicas narrativas que perfeccionaba desde 1908 y que deben contarse entre las más influyentes de la historia del cine. Esta vez decidió relatar cuatro historias paralelas, alternando escenas de una a otra, sobre el tema común de la intolerancia a través de los siglos. Pese a la audacia creativa del resultado, el público no volvió a acompañarlo y Griffith tardó varios años en recuperarse del golpe, aunque el tiempo le dio la razón y los historiadores lo consideran su mejor film. Se exhibirá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires, con acompañamiento musical de la National Film Chamber Orchestra coordinada por Fernando Kabusacki. 

Calígula (EUA-1980) de Tinto Brass, c/Malcolm McDowell, Peter O'Toole, Teresa Ann Savoy, Helen Mirren, John Gielgud, Guido Mannari. 156'. 
Un imperio en decadencia aparece sintetizado en la locura de Calígula y, aunque esa alegoría está presente en el film, es evidente que para los realizadores el estado mental del emperador importaba sólo como excusa para poner en escena toda clase de excesos, desde orgías con sexo explícito hasta una curiosa máquina para decapitar, más todo lo que el espectador quiera imaginar entre ambos. Es considerado el primer film pornográfico que tuvo un elenco respetable, el costo de una superproducción y una distribución mainstream, si bien en la Argentina la censura obligó a esperar algunos años para verlo.          

Metrópolis (Alemania-1926) de Fritz Lang, c/Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Rudolf Klein-Rogge, Alfred Abel. 153’. 
“Entre el cerebro que piensa y las manos que trabajan, el mediador debe ser el corazón”. Sobre esa frase, Lang y su mujer y guionista Thea von Harbou edificaron la alegoría más influyente de la Historia del Cine, summa de todas las vanguardias de su tiempo. Exhibiremos la versión definitiva de este clásico fundacional, en 35mm., restaurada en Alemania a partir del hallazgo en Buenos Aires de una copia integral. Se verá con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra que coordina Fernando Kabusacki. 

La terratrema (Italia-1948) de Luchino Visconti, c/actores no profesionales. 160’
El temblor de la tierra se produce cuando un joven pescador se harta de la explotación de los intermediarios y embarca a su familia en una aventura económica independiente. Ejemplo extremo de rigor ético y estético, el film es el ejemplo más perfecto e intransigente del cine neorrealista italiano: dramatiza la problemática real de la zona en que está filmada, trabaja con los protagonistas del drama, respeta sus prácticas y su idioma y señala un rumbo luego seguido por buena parte del cine político posterior. En Argentina no tuvo estreno comercial, pero la exhibió famosamente el Cineclub Núcleo, por iniciativa de Salvador Sammaritano, con una copia donada por el propio Visconti. Esa misma copia, preservada por la Filmoteca Buenos Aires, es la que se exhibirá en esta ocasión.

El francotirador (The Deer Hunter, EUA-1978) de Michael Cimino, c/Robert De Niro, Meryl Streep, Christopher Walken, John Cazale, John Savage. 182’. 
En tres partes nítidamente definidas, el film describe los múltiples modos en que Vietnam irrumpió en la vida norteamericana. La primera parte desarrolla extensamente la cotidianidad del grupo humano protagonista, habitantes de un pueblo que vive de la producción metalúrgica. Esa introducción culmina en una boda y alcanza un nivel más inquietante durante una jornada de cacería posterior que anticipa turbulencias futuras. La segunda parte transcurre en la jungla, donde los protagonistas son rápidamente capturados y torturados por los vietnamitas, que los obligan a matarse jugando a la ruleta rusa. No importa demasiado si tales atrocidades sucedieron realmente o no, porque es evidente que toda esta zona del film procura (y logra) una síntesis total de la guerra, cuyo verdadero horror seguramente no tiene representación posible. La última parte describe el regreso a casa, que en ningún caso supone recuperar la normalidad pasada porque unos regresan mutilados y otros arrastran perturbaciones psíquicas. La moraleja quizá sea que de Vietnam no se puede volver realmente. El francotirador no fue el primer film que lidió con las consecuencias del conflicto, pero sin duda fue el primero en darle una dimensión colectiva y aterradora.

Fort Saganne (Francia, 1984) de Alain Corneau, c/Gerard Depardieu, Philippe Noiret, Catherine Deneuve, Michel Duchaussoy, Roger Dumas, Sophie Marceau. 190’. 
A principios del siglo XX Charles Saganne se va a la guerra porque considera que es la única forma de superar las barreras de clase que lo separan de la mujer que ama. Allí se transforma en un personaje público sin quererlo y es celebrado como un héroe colonialista, con todas las contradicciones que tal cosa implica, y el impacto de esa nueva jerarquía en su entorno. Corneau logra equilibrar el drama personal y casi intimista de su personaje con el aliento épico que la trama pide, y que el cine contemporáneo rara vez consigue recrear.

Escenas de la vida conyugal (Scener ur ettäktenskap, Suecia-1974) de IB, c/Liv Ullmann, Erland Josephson, Bibi Andersson, Jan Malmsjö. 155’. 
Mientras otros se desgarran a su alrededor, una aparente felicidad parece proteger al matrimonio de Jan y Marianne. Sin embargo, esa imagen ilusoria está fabricada con los restos de un amor que no es suficiente para mantenerlos unidos. La desesperación sigue al engaño mientras la soledad deviene en perdón. La entrevista del principio va resignificándose a medida que se alejan de esa ficción para comprender que ya no son los mismos, sin convertirse en desconocidos. Según Liv Ullmann (protagonista del film y ex mujer de Bergman), aunque ya no eran pareja, el director usó muchos de sus propios errores y temores en la escritura de esta película, que fue concebida como una miniserie para la TV. Texto de Natalia Taccetta. 

La novicia rebelde (The Sound of Music, EUA-1965) de Robert Wise, c/Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker, Richard Haydn, Peggy Wood. 174’.

La historia real de la familia austríaca von Trapp dio lugar primero a un musical de Rodgers y Hammerstein y luego a esta adaptación de ese musical, que rápidamente se transformó en uno de los films más genuinamente populares de la historia del cine. Wise se apoya en recursos emocionales simples pero muy eficaces, como en la recordada escena en que el rígido capitán von Trapp descubre a sus hijos cantando por primera vez y se pone a cantar con ellos porque finalmente han encontrado un lenguaje común a través del cual comunicarse. Se verá en copia nueva, gestionada recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

Kaos (Ídem., Italia-1984) de Paolo y Vittorio Taviani, c/Margarita Lozano, Claudio Bigagli, Omero Antonutti, Franco Franchi, Ciccio Ingrassia. 188’. 
Paolo y Vittorio Taviani se consagraron en los años setenta entre la nueva vanguardia de un cine italiano en el pico de su popularidad y calidad, con películas (Allosanfan, Padre Padrone) que se diferenciaban tanto de la veta neorrealista como de los artificios de Bertolucci o Fellini. En 1984 filmaron Kaos, adaptación de cuatro cuentos de Luigi Pirandello. La primera historia, El otro hijo, muestra a una campesina que busca por diversos medios noticias de los hijos que emigraron a América, pero no le presta atención al que se ha quedado con ella. En la segunda, Hechizo de luna, una mujer descubre que se ha casado con un hombre lobo. El jarrón presenta a un artesano atrapado dentro de la vasija que quiere reparar. Por último, en Requiem un grupo de campesinos protesta contra el terrateniente que les prohíbe enterrar a sus muertos. Un epílogo tiene al propio Pirandello regresando al pueblo siciliano de su juventud, en busca de una historia que nunca pudo escribir. Diferentes en género y tono, las historias de Kaos van del humor negro al más hondo estudio psicológico y pueden verse como un calidoscopio de la vida siciliana a comienzos del siglo pasado. Texto de Fernando Chiappussi.

Los miserables (Les miserables, Francia-1934) de Raymond Bernard, c/Harry Baur, Charles Vanel, Orane Demazis, Marguerite Moreno, Jean Servais. 180’ aprox.

De las muchas (quizá demasiadas) versiones del clásico de Víctor Hugo, esta adaptación realizada durante el llamado realismo poético francés se impone como la mejor. No sólo porque en su longitud consigue un desarrollo adecuado de las muchas zonas relevantes que despliega el original, sino sobre todo por la fuerza de su puesta en escena cinematográfica. El film cuenta además con los mejores actores imaginables para componer a los eternos antagonistas: el policía Javert fue encarnado por Charles Vanel, figura inoxidable, de larguísima carrera; el proscripto Jean Valjean fue interpretado por Harry Baur, actor inmenso, que luego fue víctima del nazismo. En su versión original el film era aún más eterno, pero en esta ocasión exhibiremos la versión internacional, algo condensada pero de todos modos lo suficientemente eterna como para integrar este ciclo.

Jesús de Nazareth (Jesus of Nazareth, Italia / Gran Bretaña-1977) de Franco Zeffirelli, c/Robert Powell, Anne Bancroft, Ernest Borgnine, Claudia Cardinale, Valentina Cortese, James Farentino, James Earl Jones, Stacy Keach, Tony Lo Bianco, James Mason, Laurence Olivier, Christopher Plummer, Anthony Quinn, Donald Pleasence. 200’ aprox.

En un ciclo de películas eternas no podía faltar la historia más grande jamás contada, que es también una de las que se ha contado más veces: existen cientos de versiones de la vida de Jesús, sin contar otras tantas películas de inspiración bíblica que rozan el tema (como sucede con Ben-Hur). De todas ellas, esta versión de Zeffirelli se cuenta entre las más recordadas, por el éxito inicial de su versión televisiva, en forma de miniserie aún más extensa, y por el acierto de casting que supuso Robert Powell en el papel del protagonista.

La belle noiseuse (Francia-1991) de Jacques Rivette, c/Michel Piccoli, Jane Birkin, Emmanuelle Béart, Marianne Denicourt, David Bursztein, Gilles Arbona. 238’.

Un pintor (Piccoli) decide retomar una obra que había abandonado, motivado por la visita de un amigo y de su hermosa novia Marianne (Béart). Ese punto de partida sirve a Rivette para elaborar una obra mayor sobre el arte en general y sobre el proceso creativo en particular. La mala circulación de su obra, que tiene una fuerte tendencia a la eternidad, ha hecho que Rivette sea el cineasta menos conocido de la Nouvelle Vague. Este es, de hecho, el único film suyo que puede verse completo y en fílmico en Argentina.

El tiempo recobrado (Le temps retrouvé, Francia-1999) de Raoul Ruiz, c/Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Vincent Perez, John Malkovich. 158’. 
Aunque nominalmente se basa en la última parte de la monumental obra de Proust En busca del tiempo perdido, el film procura condensar su totalidad y lo hace evitando las convenciones de las adaptaciones literarias académicas. Ruiz despliega toda su imaginación formal para abordar el tema de la memoria y su naturaleza elusiva. El resultado no pretende combinar pasado y presente sino, sobre todo, poner en escena esa particular forma de realidad que aparece representada en nuestros recuerdos. No es casual que Ruiz haya convocado para un papel menor al gran Alain Robbe-Grillet, que en su propia obra lidió muchas veces con estos temas.