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Filmoteca en vivo: El cine que no existe más
Durante todo el mes

En marzo, malba.cine presenta Filmoteca en vivo, una extensión del programa de la TV Pública Filmoteca – Temas de Cine, que desde 2006 se dedica a la difusión desprejuiciada de la Historia del Cine, priorizando el material extraño o poco difundido.  Con ese mismo espíritu, Fabio Manes y Fernando Martín Peña, creadores y conductores del ciclo, exhiben material en fílmico de sus respectivas colecciones, una serie de rarezas, todas en 35mm., bajo el apotegma ¡Alegría Sin Fin!

Filmoteca en vivo

Shock Corridor – Delirio de pasiones (Shock Corridor, EUA-1963) de Samuel Fuller, c/Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans. 101’.
Todos los temas conflictivos de la sociedad norteamericana tienen su sitio en Shock Corridor: la intolerancia, el racismo, el peligro atómico, la guerra de secesión, la guerra fría, Corea, el lavado de cerebro, el comunismo y una larga lista adicional de temas sensacionalistas insertos de un modo deliciosamente gratuito. En Argentina no existía una buena copia en 35mm. de este film. La que se exhibe fue producida por APROCINAIN, con la colaboración de las empresas Kodak y Cinecolor, y completada gracias a Cinemateca Uruguaya.

La gran amenaza (Three the Hard Way, EUA-1974) de Gordon Parks Jr., c/ Jim Brown, Fred Williamson, Jim Kelly, Sheila Frazier. 89’

Un villano neo nazi decide envenenar el agua de tres ciudades con una sustancia que afecta solo a la población negra. Jim Brown, Fred Williamson y Jim Kelly, los máximos héroes afroamericanos del cine de acción se reúnen para detenerlo. El blaxploitation, nacido a comienzos de la década del 70, fue en cierta forma una variante del “all black cast” de los años 30, solo que esta vez las razones de su creación no fueron la discriminación racial sino todo lo contrario: directores y actores afroamericanos se unieron para celebrar su cultura y hacer un cine que los representara. Si bien fue criticado desde la misma comunidad, ya que sus protagonistas eran por lo general dealers, cafishos o chicas de vida fácil, igualmente resultó un éxito. En nuestro país la falta de copias y la desaparición de ciclos televisivos como “Sábados de Súper Acción” hicieron que hoy las nuevas generaciones apenas lo conozcan. Esta es una rara oportunidad de ver uno de los mayores clásicos del género en 35mm.

La entrega (L’occhio dietro la parete, Italia-1977) de Giuliano Petrelli, c/John Philip Law, Fernando Rey, Olga Bisera, José Quaglio, Jho Jhenkins, Roberto Posse. 85’.

Un voyeurismo tecno es la base argumental de este film, a partir de que un escritor en silla de ruedas (Rey) monta un dispositivo de cámaras ocultas para observar secretamente junto a su esposa (Bisera) la vida sexual de su vecino. Para completar el triángulo erotómano, el vecino lo interpretó John Phillip Law, icono sexual camp gracias a su ángel semidesnudo de Barbarella o al héroe de comic en catsuit de Diabolik. La intimidad sobreexhibida del actor nivela la setentosa mirada machista de erotizar sólo el cuerpo femenino. Y la homofilia implicada en el voyeurismo de Rey hacia Phillip Law es explícita al explorar la sexualidad gay del vecino. Y aún más, La entrega retrata escenas infrecuentes de yiro gay en un bar y una disco, con strip-tease camp y relación sexual interracial entre hombres, más gráfica de lo que el cine erótico posterior se atrevió a representar. Eso sí, todo está filtrado por el sexo sucio como un oscuro objeto del deseo suicida, la pequeña gran muerte como orgasmo, usado como molotov por ese cine italiano atrincherado contra la antiséptica corrección burguesa de gozarlo todo como mercancía. Texto de Diego Trerotola.

Invasión (Argentina, 1969) de Hugo Santiago, c/Lautaro Murúa, Olga Zubarry, Juan Carlos Paz, Roberto Villanueva, Martín Adjemián, Hedy Crilla. 125’.
Como recuerda Hugo Santiago, “Primero propuse el tema; la trama fue elaborada por Borges y Bioy Casares. Luego, a partir de esa línea argumental, creí que iba a trabajar solo en el guión. Sin embargo, nuevamente encontré una colaboración impensada y maravillosa en Borges. Trabajé espléndidamente con él. Tenía una visión anticipada de los hechos; concebía en términos cinematográficos y eso facilitó la labor. Era, contrariamente a lo que se pueda creer, muy accesible a las objeciones y a las sugerencias. Tenía una captación rápida y se ponía muy pronto en condiciones de seguir trabajando sobre un esquema recién modificado. Fue una larga tarea de ocho meses, de sucesivos carteos (durante un tiempo Borges estuvo en Norteamérica y yo en Europa). Fue una colaboración constante, donde él hizo un gran esfuerzo para comprender el tipo de escritura de imagen, la deseada comunicación con el espectador. Fue un trabajo estructural, donde situaciones, personajes y diálogos nacían a veces de una visión ya corpórea de lugares, movimientos de cámara y encuadre”.

Rojo profundo (Profondo rosso, Italia-1975) de Dario Argento, c/David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Méril, Eros Pagni. 106’.
Para aplicar a la obra de Argento la famoso máxima godardiana “No es sangre, es rojo” habría que reformularla y decir “Es rojo, y es sangre”. Como siempre en Argento, la puesta en escena suele dejar de lado los vaivenes de la trama. Dijo el director sobre las películas de género: “El terror es el futuro. No hay que tener miedo. Hay que llevar todo al límite absoluto. O bien, la vida será aburrida. La gente se va a aburrir. El terror es como una serpiente siempre mudando su piel, siempre cambiando. Y siempre va a volver. No se puede esconder, es como los secretos culpables que tratamos de mantener en nuestro inconsciente.” Texto de Marcelo Alderete y Pablo Conde.

Escándalo (Scandalo, Italia-1976) de Salvatore Samperi, c/Franco Nero, Lisa Gastoni, Raymond Pellegrin, Andréa Ferréol, Claudia Marsani. 116’.

Se ambienta en Francia, 1940, y superficialmente es la historia del progresivo sometimiento de la dueña de una farmacia (increíble Lisa Gastoni) al dominio de un empleado (Franco Nero) que es simple y perverso a la vez. El tema comienza a desarrollarse en un tono realista pero poco a poco se enrarece hasta volverse evidente que en esa historia hay también una alegoría tremenda sobre el sometimiento de Francia a Alemania durante el nazismo. La fotografía de Vittorio Storaro acompaña ese enrarecimiento con el uso dramático del color y, en un final antológico, llega a transformar a Nero en una especie de bestia expresionista mientras juega con lo que se ve y lo que no, durante las intermitencias luminosas de un ataque aéreo. Una obra maestra desconocida, que aparentemente nunca llegó a estrenarse en nuestro país por causa de la censura.

Embrujada (Argentina, 1969) de Armando Bó, c/Isabel Sarli, Daniel de Alvarado, Víctor Bó, Miguel Ángel Olmos. 79’.
Desde la escena de El trueno entre las hojas en que Isabel Sarli se desnuda y se mete en un arroyo por primera vez para la cámara de Armando Bó, la Coca húmeda, mojada y brillosa se convirtió en una tradición que se mantuvo en películas siguientes. De esa primera escena en blanco y negro, donde la naturalidad y la manera casi infantil de jugar en el agua de Isabel refrescan e impresionan, a los fragmentos de Embrujada donde casi diez años después una diosa sexual avasallante -aunque con más frecuencia, avasallada- se baña en las cataratas del Iguazú ya mucho más conciente de lo que provoca en los mirones, hay un recorrido de erotismo, gestos, miradas y un cuerpo cada vez más abundante: el de una chica que invita y se luce mucho más cuando está sola y en el agua. Texto de Marina Yuszczuk.

El gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinett des Dr. Caligari, Alemania-1920) dir. Robert Wiene, c/Werner Krauss. Conrad Veidt, Lil Dagover, Friedrich Feher. 60’ aprox. Se exhibirá con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra que dirige Fernando Kabusacki.
El poeta uruguayo Fernando Pereda se inscribió sin desearlo, aunque con cierta justicia histórica, en el singular movimiento de la así llamada cultura cinematográfica, junto a la crítica, los cineclubes, las revistas, las cinematecas y el Cine Arte oficinal que promovió el Estado. Los memoriosos recuerdan los extremos celosos con que Pereda cuidaba su material y el trámite infinito que costó convencerle de que su copia de El gabinete del Dr. Caligari pudiera ser exhibida públicamente. Aducía que era una copia única, de duplicación imposible. Y tenía razón. Cuando en 1984 el Archivo Federal de Coblenza quiso reconstruir la versión original de Caligari, parte de su trabajo se apoyó en una copia obtenida, “tras laboriosas negociaciones”, de un coleccionista uruguayo cuyo nombre no fue mencionado en los cables pero que sólo podía ser Pereda. Un dato de esa copia singular es el “viraje” a color de casi todas sus escenas, dando por procedimientos químicos una idea de escenario exterior o interior, nocturno o diurno. Esa versión, conservada hoy en día por el SODRE, es la que se exhibirá en esta oportunidad. Texto de Homero Alsina Thevenet.

Ser o no ser (To Be Or Not To Be, EUA, 1942) de Ernst Lubitsch, c/Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack. 99’.
En plena guerra mundial, cuando el nazismo era una muy concreta amenaza, Lubitsch decidió enfrentarlo con las armas del humor y realizó esta farsa que transcurre en Polonia ocupada y narra los esfuerzos de una troupe de actores para sobrevivir a una trama de espionaje. El resultado fue un film maldito, cuyo único antecedente era El gran dictador de Chaplin, que sólo con el tiempo fue apreciado como una obra maestra. Se verá en copia nueva, en 35mm.

Un disparo en la sombra (A Shot in the Dark, EUA-1964) de Blake Edwards, c/Peter Sellers, Elke Sommer, George Sanders, Herbert Lom, Tracy Reed, Burt Kwouk. 101’.
Fue la segunda película de la serie La Pantera Rosa y es, con justicia, considerada la mejor. En Peter Sellers, que deseaba hacer comedia física desde muchos años antes, el director Edwards encontró al actor perfecto para evocar el humor del cine mudo sin apelar a la nostalgia. Entre ambos crearon un personaje cómico nuevo, pero digno de la tradición originada muchas décadas antes por Mack Sennett y alimentada por decenas de cómicos a lo largo de la Historia del Cine: el inspector Clouseau. No importa si se trata de elementos simples como una puerta, un traje o una lapicera, o de mayor envergadura, como un juego de pool o una fuente. Mientras se esfuerza en llevar a cabo su investigación, Clouseau destrozará, pisará, tropezará o se caerá adentro de manera infalible y coreográfica, como en un baile. El milagro es que rara vez Blake Edwards necesita reforzar visualmente un gag: le alcanza con situar adecuadamente a su actor en un determinado entorno y luego sólo necesita seguirlo porque la escena queda en manos de Sellers, verdadero virtuoso del desastre.

La pasión (Francia, 1907/1914) de Ferdinand Zecca y Maurice André Maitre, c/Jacques Normand. Se exhibirá con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra que dirige Fernando Kabusacki.

Este temprano largometraje surgió, al parecer, de la combinación de por lo menos dos Pasiones: una dirigida por Zecca en 1907 y otra dirigida por Maitre en 1914. Esta hipótesis surge de cotejar la información publicada en los catálogos Pathé y del aspecto del actor Jacques Normand, que hace de Jesús, y que en algunas escenas está visiblemente más viejo y gordo que en otras. Se trata de una fascinante pieza de arqueología visual, porque está organizada en “cuadros” que a veces incluyen un simple movimiento de cámara, y que consisten en la puesta en movimiento (ya que no en escena) de las ilustraciones populares de los libros religiosos y las estampitas. Contiene todos los grandes éxitos del protagonista, pero también algún milagro poco recordado, como el de la resurrección de la hija de Jairo.

Dispuesta a todo (Disposta a tutto, Italia-1977) de Giorgio Stegani. El cine erótico ha sido escaso pero muy escandaloso, y es por eso que en general se lo cree muy abundante cuando en verdad no es fácil encontrar films de genuino erotismo. En la Italia de los ’70 hubo una proliferación del género, quizá a causa de los fantasmas que suele producir la tradicional represión católica. En este film, escasamente visto desde su estreno, la increíble Eleonora Giorgi interpreta a una muchacha enamorada que se muestra precisamente dispuesta a todo para manifestar su pasión amorosa por un millonario aburrido, empeñado en humillarla casi a pesar de sí mismo.

El hombre anfibio (Chelovek-Anfibiya, Unión Soviética-1962) de Vladimir Cheblotaryoy y Gennadi Kazansky, c/Vladimir Korenev, Anastasiya Vertinskaya, Mikhail Kozakov, Anatoliy Smiranin, 96’

Los habitantes de un pueblo de pescadores de algún lugar de Buenos Aires están aterrorizados por la presencia de un monstruo marino que no es otra cosa que Ictiandro, el hijo anfibio de un científico loco (pero bueno y marxista) que pretende crear una nueva sociedad submarina donde no haya ricos y pobres. Ictiandro se enamorará de Gutierre (así, sin la “z” final) una bellísima joven terrestre, pero las cosas no les resultarán fáciles… Como la mayoría de las películas fantásticas rusas de esos años, El hombre anfibio, basada en la novela de Alexandr Beliaiev, el “Julio Verne ruso”, es una feliz mezcla de ciencia ficción, fantasía, romance, drama, aventuras y algún toque de comedia y tiene algunas de las escenas submarinas más bellas de la historia del cine. Milagrosamente una copia en 35mm en perfecto estado subsistió en una estantería olvidada de la Filmoteca Buenos Aires.

El Increíble Hulk (The Incredible Hulk, EUA-1977) de Kenneth Johnson, c/Bill Bixby, Lou Ferrigno. 100’.
“No soy yo cuando me enojo” le dice el Dr. David Banner al periodista que lo persigue. Tampoco es el Dr. Jekyll que se toma un brebaje para convertirse en Hyde. Una sobredosis accidental de rayos gamma alteró el organismo de David Banner. Desde ese momento, cada vez que se enoja viene la metamorfosis y el Dr. Banner deja de ser un alfeñique de pocos kilos para transformarse en un gigante verde de dos metros, un otro yo indignado y con ganas de destrozar todo a su paso. Eso sí, haciendo justicia. Stan Lee creó el personaje para el mundo del comic, Kenneth Johnson lo llevó al de la TV y Bill Bixby y Lou Ferrigno le dieron sus cuerpos a esta vuelta de tuerca a la clásica historia de la personalidad desdoblada (y desbordada). Texto de Jota Pérez.

En las garras del poder (Faccia di spia, Italia-1975) de Giuseppe Ferrara, c/Riccardo Cucciolla, Claudio Camaso, Mariangela Melato, Francisco Rabal, Adalberto Maria Merli. 105’.

Todos los tópicos del cine político aparecen llevados al paroxismo en este film muy incorrecto. Ferrara compendia con verdadera vocación sensacionalista las más conocidas atrocidades impulsadas por la política exterior norteamericana, las pone en escena de un modo curiosamente desinhibido (cualquier otro realizador hubiera dudado antes de poner a personajes históricos como Kennedy o el Ché en la misma ensalada), y las denuncia con ferocidad. A su favor tiene una imaginación desbordante, que le permite crear con esa materia varias imágenes inolvidables y hasta proféticas, como la del epílogo en que mana sangre del World Trade Center. Un film inolvidable, no apto para estómagos sensibles.

King Kong escapa (Kingukongu no gyakushu, Japón-1967) de Ishiro Honda, c/Rodees Reason, Mie Hama, Linda Miller, Akira Takarada, Eisei Amamoto, Paul Frees. 96’.
King Kong enfrenta a su equivalente mecánico en esta película que, como casi toda obra de Ishiro Honda, sorprende por su imaginación disparatada. Este film, además, se volvió especialmente popular en Argentina porque sus astutos distribuidores decidieron estrenarlo poco antes de la muy publicitada versión de 1977, como si se tratara de la misma. De hecho, resultó ser mucho más divertida.

Los caballeros del Zodíaco (Saint seiya: Shinku no shonen densetsu, Japón-1988) de Shegeyasu Yamaguchi. Largometraje de dibujos animados. 80’ aprox.

Los dibujos animados japoneses han marcado a fuego a varias generaciones de estupefactos niños occidentales. Primero fueron las densas cargas de melodrama en series fundaciones como Astroboy y Kimba, luego las dolorosas mutaciones de humanos en monstruos (Capitán Centella) y los enfrentamientos ultraviolentos entre gigantes mecánicos (Mazinger Z), y finalmente las complejas sagas que combinan alegremente elementos religiosos tradicionales, deidades mitológicas y enfrentamientos entre fuerzas y pasiones shakespeareanas. A este último rubro pertenece la exitosa serie Los caballeros del Zodíaco, de la cual este largometraje fue un desprendimiento pensado específicamente para el cine, por lo que tiene (a diferencia de otras derivaciones de la serie) una calidad de animación superior. Se exhibe a pedido del público juvenil de la Filmoteca.

Una mujer bajo influencia (A Woman Under the Influence, EUA, 1974) de John Cassavetes, c/Peter Falk, Gena Rowlands, Fred Draper, Lady Rowlands, Matthew Cassel. 112'.
El deterioro mental de una ama de casa se expone de manera implacable en esta obra mayor de Cassavetes, iluminada por el trabajo de sus protagonistas. Como sugiere el crítico Roger Ebert, el film maneja la complejidad necesaria para indicar que la mujer no es la única loca de la casa y que la diferencia entre ella y su marido es que la alineación masculina suele exteriorizarse de maneras socialmente admitidas. Se exhibe la versión de estreno internacional, algo más corta que la original norteamericana.

La mujer poseída (Possession, Francia/Alemania-1981) de Andrzej Zulawski, c/ Isabelle Adjani, Sam Neill, Margit Cartensen, Heinz Bennent, Johanna Hofer, Carl Duering. 127’

“Filmo películas sobre lo que me tortura, y la mujer actúa como médium” dijo alguna vez Andrzej Zulawski. Aparte de la presencia protagónica de la mujer en sus películas, otra característica de su cine es el exceso. Todo es excesivo, sus argumentos, sus actuaciones, sus travellings y cámaras en mano enloquecidas. Cuando filmó Possession en 1981, Zulawski venía de divorciarse (parece que no en muy buenos términos) de su primera mujer y vomitó aquí todo su odio y su dolor en una de las descripciones más demenciales y violentas que se hayan hecho sobre la separación de una pareja (Sam Neill e Isabelle Adjani, ambos en las mejores interpretaciones de toda su carrera). Lo que sigue es casi indescriptible, aunque la reclusión del personaje interpretado por Adjani en un departamento y su posterior descenso a la locura recuerda a Repulsión (Roman Polanski, 1965), aunque en aquella película la protagonista no materializaba una extraña criatura similar a un gigantesco aparato genital con tentáculos. Censurada y reeditada en todo el mundo, en versiones que oscilan entre los 80’ y los 120’, se exhibe la copia completa de 127’ en 35mm.