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Vida artificial

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Las historias de El Golem y del monstruo de Frankenstein son muy distintas pero se parecen en algo: en ambos casos se trata de materia inerte que cobra vida mediante la intervención del hombre. El Golem vive cuando recibe sobre su pecho una palabra sagrada que sólo ciertos místicos pueden obtener y el monstruo de Frankenstein vive mediante una combinación de dispositivos protoeléctricos. Ambas historias han proporcionado abundante material cinematográfico y se han prolongado en variaciones contemporáneas, empezando por los robots de muy distinta apariencia que pueblan las películas (incluso desde antes de ser conocidos con ese nombre), y terminando con las desoladas criaturas que anima el planeta-mar Solaris. Durante abril, malba.cine rastrea esas tradiciones de la fantasía a través de muy diversos films y se permite de paso homenajear al maestro Ray Harryhausen, que justamente hizo toda una obra dando vida -cuadro por cuadro- a toda clase de personajes imaginarios.

MAZINGER Z + ROBOT GIGANTE 

Homoide (Test pilota Pirxa, Polonia-1978) de Marek Piestrak, c/Serge Desnitsky, Boleslaw Abart, Vladimir Ivashov. 104'

El golem (Le Golem, Francia-1936) de ulien Duvivier, c/Harry Baur, Roger Karl, Charles Dorat. 100'

Aliens (EUA, 1986) de James Cameron, c/Sigourney Weaver, Carrie Hehn, Michael, Biehn, Lance Henriksen, Paul Reiser, Bill Paxton. 137’.

La obra maestra de Ridley Scott había sido más bien un film de suspenso y atmósfera pero eso cambió para siempre con su primera secuela, que Cameron emprendió con sobrados recursos gracias al éxito de su anterior Terminator. El resultado fue un verdadero film de súper acción, en el que un pelotón de forzudos marines es enviado literalmente a la boca del alien. El éxito de esta secuela produjo hasta la fecha dos continuaciones, sin contar posteriores enfrentamientos con otras razas de ficción.

Andy Warhol’s Frankenstein (Flesh for Frankenstein, Italia / Alemania / Francia, 1974) de Paul Morrissey, c/Joe Dallessandro, Monique Van Vooren, Udo Kier, Srdjan Zelenovic, Dalila Di Lazzaro. 94'.

Todo empezó con que Roman Polanski quería probar el 3D en películas pornográficas, yo derivó en dos obras de sexo camp con los principales mitos del terror que sumó a parte de la Factoría Warhol. Desde el primer Frankenstein (1931) de James Whale, es fácil imaginar una relación erótica entre el Doctor y su criatura. Y el abordaje de esa relación por Morrissey tiene grandes méritos, empezando por la sofisticada forma paródica. La copia ha conocido épocas mejores, pero es la única que se conserva en fílmico en Argentina.

El planeta prohibido (Forbidden Planet, EUA-1956) de Fred MacLeod Wilcox, c/Walter Pidgeon, Anne Francis, Leslie Nielsen, Warren Stevens, Jack Kelly. 98’.

Obra maestra absoluta, que algunos críticos consideran una adaptación de La tempestad de Shakespeare en clave de ciencia-ficción. Un grupo de astronautas que llega al planeta en cuestión perturba su precaria armonía y desata la furia de un monstruo metafísico. Hay dos sociedades imaginarias en el film, una compuesta sólo por un padre, su hija y un robot, y otra extinta pero presente y ominosa en sus impresionantes reliquias y maquinarias, que el film pone en escena con un virtuosismo jamás igualado en la historia del cine.

La novia de Frankenstein (The Bride of Frankenstein, EUA, 1935) de James Whale, c/Boris Karloff, Colin Clive, Ernest Thesiger, Elsa Lanchester, Una O’Connor. 75’.

Si el terror debería poner los pelos de punta, nada más perfecto que crear un ícono de esa idea: Elsa Lanchester con peinado batido vertical en plan proto-glam-punk como versión pop de la Frankenstein descripta por Mary Shelley. Nada más gay que un monstruo creado en una peluquería: no hay duda de que Whale era un “estilista”, como revela su biopic Dioses y monstruos. Y su plan de horror humorístico, pergeñado desde su primer Frankenstein, lo convierte en fundador del camp como celebración de la sexualidad y el género monstruosos.

Un millón de años A. C. (One Million Years B. C., Gran Bretaña-1966) de Don Chaffey, c/Raquel Welch, John Richardson, Percy Herbert, Robert Brown. 100’.

En realidad, los dinosaurios no llegaron a convivir con el hombre, pero si los realizadores de este film hubiesen respetado ese detalle cronológico, Raquel Welch nunca hubiera vestido el bikini prehistórico que la hizo célebre. La variada legión de seres antediluvianos que puebla el film fue animada por Ray Harryhausen.

Terminator (The Terminator, EUA-1984) de James Cameron, c/Arnold Schwarzenegger, Michael Biehn, Linda Hamilton, Paul Winfield, Lance Henriksen. 107’.

Nadie tenía derecho a esperar gran cosa de Cameron después de la abominable.

Piraña 2, que fue su ópera prima. Sin embargo logró una de las películas más influyentes de toda la historia del género con un presupuesto bastante modesto, el ingenio de su productora Gale Ann Hurd y la colaboración entusiasta de Arnold Schwarzenegger. Dice la leyenda que en un principio el austríaco debía interpretar al héroe y que fue él mismo quien decidió que el papel de su vida era en realidad el del villano. Años más tarde el escritor Harlan Ellison ganó un juicio tras demostrar que algunas partes esenciales de la historia se basaban, sin acreditar, en ideas suyas.

Solaris (Solyaris, 1972) de Andrei Tarkovski, c/Natalya Bondarchuk, Donatas Banionis, Jüri Järvet, Vladislav Dvorzhetsky. 165’.

Algún adepto a la comparación fácil habló de “la respuesta soviética a 2001”. Otros, en cambio, dicen que es “una película que te cambia la vida”. Algo que suena exagerado hasta que llega la toma final. Basada en una gran novela del polaco Stanislas Lem, es una de las obras maestras del otro gran cineasta ruso de todos los tiempos (cronológicamente el primero es Eisenstein). De manera enloquecedora, el poder de su país le costeó a Tarkovski películas caras y arriesgadas y lo sometió después a presiones crueles, destructivas (como a Eisenstein). El planeta en forma de océano del título es demoledor sin saberlo: se limita a corporizar los deseos de quienes lo visitan, y los enloquece. El montaje, las actuaciones y la energía de las emociones son simplemente inexplicables en palabras: por una vez, para eso está el cine.

Texto de Elvio Gandolfo.

Frankenstein (EUA-1931) de James Whale, c/Colin Clive, Boris Karloff, Mae Clarke, Edward Van Sloan, John Boles, Dwight Frye. 70’.

El ambicioso doctor Henry Frankenstein desarrolla un escalofriante experimento: construir un nuevo ser humano utilizando distintos pedazos de cadáveres. El Dr. Frankenstein cuenta con un ayudante, su criado Fritz, encargado de conseguir durante las noches las distintas partes que se necesitan para el experimento. Fritz acude a los cementerios y a los laboratorios de la universidad de medicina, pero al momento de apropiarse de un cerebro humano sufre un percance y decide llevarse el cerebro de un criminal. La historia de un científico que busca crear vida artificial en abierto desafío a las leyes naturales, y termina por crear un monstruo que, ante el miedo, reacciona. Texto de Laura Schargorodsky.

El hijo de Frankenstein (Son of Frankenstein, EUA-1939) de Rowland V. Lee, c/Boris Karloff, Bela Lugosi, Basil Rathbone, Lionel Atwill. 99’.

Sin explicaciones, el monstruo ha sobrevivido otra vez para esta memorable aparición final de Karloff en la serie. Está acompañado ahora por Bela Lugosi como el jorobado que manipula al hijo del Dr. Frankenstein para que lo reviva y usarlo con fines de venganza personal. Rowland V. Lee está a la altura del desafío. Aunque menos dinámico que los dos títulos de Whale, el film usa con inteligencia y sobriedad sus increíbles decorados, reminiscentes de las películas de la productora alemana UFA. Aprovecha además a un buen elenco, donde figuran Basil Rathbone como el hijo, y Lionell Atwill como un inspector de policía a quien el monstruo le arranca dos veces el mismo brazo.

Texto de Elvio E. Gandolfo.

El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920) de Carl Boese y Paul Wegener, c/Paul Wegener, Lyda Salmonova, Albert Steinrück. 80’ aprox.

El Golem es la leyenda de un poderoso hombre de arcilla, que es animado de manera artificial para cumplir con una misión sobrehumana y luego se niega a perder su condición de ser vivo. El actor y director Paul Wegener tenía una fascinación peculiar con el mito y es evidente que le encantaba disfrazarse de Golem: antes de realizar esta versión, ya había hecho otras dos, una en 1914 y la otra en 1918. Para plasmar visualmente el ghetto judío de la ciudad de Praga, donde transcurre la mayor parte de la acción, convocó al arquitecto expresionista Hans Poelzig, que diseñó “una ciudad-poema, un sueño, una paráfrasis arquitectónica del tema Golem”.

Metrópolis, de Fritz Lang (Alemania, 1926) dirección: Fritz Lang. Argumento: Thea von Harbou. Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau, Walter Ruttmann. Dirección artística: Otto Hunte, Erich Kettelhut, Carl Vollbrecht. Productor: Erich Pommer para UFA. Duración: 145’. 35mm.

Restauración producida por F. W. Murnau Stiftung en sociedad con el Museo del cine “Pablo Ducrós Hicken” de Buenos Aires.

Música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.

En la larga lista de restauraciones importantes encaradas en los últimos treinta años, la de Metrópolis es un caso extraordinario. Fue el film más caro de la historia del cine alemán y uno de los más influyentes, pero pocos pudieron verlo tal y como lo concibió su director. El hallazgo de la versión argentina, lo más próximo que existe a la intención original de Lang, generó la demanda de una nueva restauración,  que se estrenó en 2010 en el Festival de Berlín e inició una circulación internacional en salas comerciales. Finalmente Metrópolis ha vuelto a ser un film de Fritz Lang, y vuelve a verse completa en Buenos Aires, la ciudad que hizo posible esa resurrección.