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Programación abril 2012
CICLO
Bye Bye American Pie
Del jueves 26 de abril al domingo 27 de mayo
Programador: Philip Larratt-Smith, curador de la exposición
Acompañando la muestra Bye Bye American Pie, que explora los valores cambiantes de la cultura de los Estados Unidos a través de la obra de siete destacados artistas norteamericanos, malba.cine presenta un ciclo de películas que recorre la trayectoria de la civilización estadounidense desde el crecimiento de su poderío durante el primer tercio del siglo XX y su extraordinario apogeo a mediados del siglo, hasta su posterior fragmentación, declive y decadencia.
Bye Bye American Pie ilumina el afloramiento de la pulsión de muerte en la rutilante superficie del "estilo de vida americano", a través de obras que a menudo dialogan con el cine y la cultura de la industria hollywoodense. Los artistas de la muestra pertenecen a la primera generación que se crió en la cultura de la imagen. Larry Clark no solo es el autor de Tulsa (1971), un portfolio fotográfico que preparó el camino para que la fotografía fuera aceptada como un medio artístico equiparable a la pintura y a la escultura, sino también de Kids (1995), su ópera prima cinematográfica, que llevó la sexualidad adolescente de la era del SIDA a la pantalla grande. The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin (1978-1996) presenta afinidades formales y temáticas con La Jetée de Chris Marker y con los slideshows de Jack Smith de la cultura underground de los 70. Jean-Michel Basquiat fue el personaje principal del film new wave Downtown 81; su vida tumultuosa y su obra inspiraron la primera película de Julian Schnabel, Basquiat (1996). Las instalaciones y esculturas de Paul McCarthy, que a menudo incluyen videos y performances, deconstruyen mitos, rituales y relatos de Hollywood.
El diseño de la muestra exhibida en el segundo piso de Malba quiere producir un claro efecto cinematográfico, mediante una progresión de grises que evocan un rollo de película que se despliega en las salas. Las respectivas obras de los siete artistas allí reunidos pueden entenderse como siete episodios de un único acontecimiento -un film de cine catástrofe, una serie televisiva, una historia de amor, una alegoría-, y las películas del ciclo, como una serie añadida de contrapuntos cinematográficos.
Philip Larratt-Smith
Jueves 26
20:00
Polyester (EUA, 1981) de John Waters, c/Divine, Tab Hunter, Edith Massey, David Samson, Mary Garlington, Ken King, Mink Stole. 86'.
En el inicio de su etapa post under, Waters mantiene su ideología camp extrema de trash contaminante, ahora refregándola en las narices con su sistema Odorama, que hizo que esta sea la única película donde está permitido aspirar el pegamento como droga barata endiosada por el punk. Esa libertaria alteración de los sentidos está guiada por Divine, prefigurando su rol en Hairspray, como ama de casa hipersensible a los olores y a Tab Hunter, en un papel donde el actor se burla de su sex appeal y donde la palabra homoerotismo queda muy chica. Texto de Diego Trerotola.
Viernes 27
18:00
De repente en el verano (Suddenly Last Summer, EUA-1959) de Joseph L. Mankiewicz, c/Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn. 114’.
El primer personaje homosexual que el cine norteamericano asumió como tal se llamó Sebastian y es el protagonista tácito de este claustrofóbico film de Mankiewicz, sobre obra de Tennessee Williams. Según el historiador Boze Hadleigh, Williams había basado sus personajes en gente que conocía, con excepción de la madre que interpreta Katharine Hepburn, que Hadleigh interpreta como un síntoma de la contradictoria homofobia del autor. En todo caso, la censura norteamericana (que tenía prohibida la representación de la homosexualidad) hizo una excepción en este caso a causa del atroz final que encuentra Sebastian.
Viernes 27
22:30
La soga (Rope, EUA-1948) de Alfred Hitchcock, c/James Stewart, Farley Granger, John Dall, Cedric Hardwicke, Constance Collier. 80’.
Esta película es recordada por la decisión de Hitchcock de filmarla de manera que pareciera un único plano continuo. Pero ese no es el único mérito de la película, que plantea un complejo escenario en donde se juegan, en apariencia, dos formas de ver el mundo: una barata y retorcida versión de la teoría del superhombre nieztcheana ejercida por dos amigos que, para demostrarla, asesinan a un tercero, y otra esbozada por el profesor Cadell, que descubre y condena a los asesinos. Lo que ambas teorías no pueden disimular es el doble juego moral de todos los protagonistas, la permanente ambivalencia con la que Hitchcock jugaba en sus films, que equipara las culpas y pone en primer plano a la hipocresía y la duda. Se tituló en Argentina Festín diabólico. Texto de Eduardo Rojas.
Sábado 28
18:00
El ciudadano (Citizen Kane, EEUU-1941) de Orson Welles, con Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, Ray Collins, Agnes Moorehead. 119’.
Aunque parezca increíble, en Argentina no quedaban copias en buen estado de este film, considerado por muchos el más importante de la Historia. El hallazgo de un negativo en perfectas condiciones en el depósito de la Escuela Nacional de Cine permitió sacar la copia nueva que se exhibe en este ciclo. Los sesenta años transcurridos desde su estreno no han dejado huella en esta obra maestra, que elabora el retrato de su protagonista, inspirado en el magnate William Randolph Hearst, a partir de varios testimonios complementarios. Las imágenes de Gregg Toland y la música de Bernard Herrmann resultaron los complementos ideales para la visión de Welles, que inauguró así una filmografía tan influyente como accidentada.
Sábado
22:00
Sed de mal (Touch of Evil, EUA-1958) de Orson Welles, c/O. Welles, Charlton Heston, Janet Leigh, Akim Tamiroff, Dennis Weaver. 111’.
Será una discusión eterna entre los cinéfilos decidir cuál es la mejor película de Orson Welles, pero esta juega con muchos boletos. Película fronteriza en todas las acepciones del término, es una summa de los temas predilectos del director (el poder, la corrupción, las ambigüedades de la ley) encuadrados dentro de una pesadillesca historia policial. Welles ofrece su más repugnante caracterización actoral y el film cuenta con secuencias para la más exigente antología como la inicial y la que transcurre dentro del departamento. Un must absoluto. En Argentina se estrenó originalmente con el título Sombras del mal.
Sábado
24:00
El exorcista (The Exorcist, EUA-1973) de William Friedkin, c/Jason Miller, Ellen Burstyn, Max von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Wynn, Jack MacGowran, Linda Blair, Lee J. Cobb, voz de Mercedes McCambridge. 122’.
A treinta y nueve años de su estreno, este film sigue siendo sorprendente, en parte porque procede de un estudio major que hoy no se atrevería a hacer nada parecido, en parte por la complejidad esencialmente visual de su narrativa, y en parte porque aborda su tema sin pretender aclararlo. Es probable que ningún otro film de tema ligado a lo sobrenatural haya conseguido borrar con tanta eficacia el límite entre las categorías convencionales que separan lo “real” de lo “fantástico”. También permite recordar por qué William Friedkin fue considerado en ese momento uno de los auténticos renovadores del cine norteamericano.
Domingo 29
20:30
El bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, EUA-1968) de Roman Polanski, c/Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer, Maurice Evans, Ralph Bellamy. 136’.
Una mujer puede (o no) estar siendo la víctima preferencial de una conspiración para dar a luz al hijo de Satanás. Mientras George A. Romero y sus muertos vivientes modificaban el género desde los márgenes, Polanski lo hacía desde el corazón del cine mainstream, agudizando al máximo los recursos de caracterización y tensión psicológica que ya había demostrado en El cuchillo bajo el agua y en Repulsión. Es poco recordado que el film –un clásico casi instantáneo– fue producido para la Paramount por un especialista del género, el director William Castle, quien siempre se caracterizó por ser mucho más astuto de lo que parecía.
CICLO
II Semana de cine chileno contemporáneo
Del jueves 5 al domingo 8 de abril
Programación y producción: Antonella Costa
Por segundo año consecutivo se presentan en Malba las películas más representativas del cine chileno de los últimos años. El ciclo abrirá con la premiada Música campesina, del escritor y cineasta Alberto Fuguet, que estará presente junto al actor Pablo Cerda. Además, como parte de la delegación chilena, el director Matías Bize presentará a la ganadora del premio Goya a la mejor película hispanoamericana 2010 La vida de los peces, la actriz Paola Lattus presentará Mitómana y Roberto Farías hará lo mismo en un doble rol: en Mi último round como actor, y en Quiero entrar como director.
La propuesta del ciclo surge como una inquietud de la actriz y programadora Antonella Costa: “en sucesivos viajes a Chile me sorprendí, no sólo por la enorme variedad y gran calidad de las películas chilenas, sino porque ostentan una larga lista de nuevos talentos entre sus realizadores. Pero sobre todo me sorprendió la indiferencia, la falta de información que existe entre nosotros con respecto al cine trasandino. Esa movida interesante, ese universo creativo riquísimo está seduciendo al mundo pero casi no llega a nuestro país. Confío en que esta selección nos permitirá asomarnos a los argumentos novedosos, las actuaciones sorprendentes, el ingenio ante la falta de recursos, el talento desplegado en producciones grandes, el sentido del humor, el reflejo de las heridas de una sociedad con la que podremos encontrar muchos puntos en común, y diferencias fascinantes e inspiradoras.”
Del 28 de marzo al 3 de abril el ciclo se exhibirá en Montevideo, Uruguay, y durante 2012 en Córdoba.
Invita:
DIRAC. Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería de Chile.
Jueves 5
18:00
MÚSICA CAMPESINA (2011, 100 min.) Director: Alberto Fuguet. Elenco: Pablo Cerda, James Cathcart, Cole Kinnear, Ezra Fitz. Proyección en DVD.
Un chileno en Estados Unidos tiene una historia, una razón, algunas tristezas y unas cuantas espectativas. Alejandro tiene todo eso, y Música campesina nos lo hace saber. Pero, más allá de lo evidente, este relato se empeña en transmitir el peso de las horas perdidas, de las compañías vacuas, prescindibles o efímeras, la sordidez y las pequeñas alegrías a las que se ve expuesto un hombre lejos de su tierra. Con la estupenda actuación de Pablo Cerda, es muy fácil empatizar con este personaje tierno y solo, de quien el buen humor es, acaso, la única herramienta.
Jueves 5
20:00
EL AÑO DEL TIGRE (2011, 82 min.) Director: Sebastián Lelio. Elenco: Luis Dubó, Sergio Hernández, Viviana Herrera. Proyección en DVD.
Un terremoto derriba las paredes enrejadas de una cárcel. Manuel escapa de su condena. Pero el resultado del terremoto se extendió mucho más allá de su celda, y Manuel deberá recorrer ese paisaje desolado buscando, entre gritos y escombros ajenos, su casa, su familia, lo que fue su vida en libertad. En su tercer largometraje, Sebastián Lelio dibuja el retrato moral de un personaje que, aunque quiera escapar de su destino, corre invariablemente hacia él. Filmada pocos días después del 27 de febrero del 2010 en escenarios naturales devastados, conmueve por la crudeza de sus imágenes y la desesperación de su personaje central.
Viernes 6
18:00
ZOOLÓGICO (2011, 68 min.) Director: Rodrigo Marín. Elenco: Santiago de Aguirre, Alicia Luz Rodríguez, Luis Balmaceda, Hector Morales, María José Illanes, Paula Aldunate. Proyección en DVD.
Lo que comienza siendo un puzzle de situaciones casi intrascendentes entre un grupo de estudiantes secundarios, de a poco se convierte en una mirada penetrante sobre las intimidades más oscuras de estos adolescentes. El clima de barrio residencial y escuela privada no logra disimular los conflictos profundos por los que atraviesa esta fauna, presionada por las relaciones familiares, los impulsos sexuales, la apatía incorregible y el futuro irremediablemente incierto, tan característico de esa etapa de la vida. Se destaca la siempre inquietante puesta en escena, así como las excelentes actuaciones del grupo de jóvenes actores que llevan adelante este relato.
Viernes 6
20:00
ANÓNIMO (2011, 90 min.) Director: Renato Pérez. Elenco: Mario Ossandon, María de los Ángeles García, Antonia Zegers, Marcial Tagle, Andrea Freund. Proyección en DVD.
La misteriosa historia de Javier atrapa al espectador desde el primer minuto. Plagada de detalles que informan a la vez que enriquecen lo narrado a cada paso, no permite distracciones ni juicios apresurados sobre su personaje. Extrañamente, esta sensación perdura una vez terminada la película, cuando ya develamos gran parte de las incógnitas planteadas. En esta deslumbrante opera prima, lo que podría ser la simple biografía de un monstruo nos liga peligrosamente a un personaje complejo, y nos invita a reflexionar sobre el costado humano de quienes despreciamos.
Sábado 7
18:00
MITÓMANA (2011, 100 min.)
Director: José Luis Sepulveda. Elenco: Paola Lattus, Yanni Escobar, Alejandro Gutierrez, Carmen Orostica, Rocío Hueche. Proyección en DVD.
En este juego pierde quien pregunta "¿Para qué?". Sepúlveda filma un documental sobre sí mismo, a la vez que diseña un laberinto macabro para la supuesta protagonista de la supuesta película que estamos viendo. Haciendo gala de ser un hijo dominado por su madre, exige de su actriz (¿o es su cómplice?) una entrega absoluta. Ella se arriesga, se exhibe, se desquicia, muta, se reinventa y se deja espiar con toda la crudeza que propone la cámara, que está siempre en mano como un control remoto de este juguete exéntrico que es MITÓMANA.
Sábado 7
20:00
LA VIDA DE LOS PECES (84 min.) Director: Matías Bize. Elenco: Santiago Cabrera, Blanca Lewín, Sebastián Layseca, Victor Montero, Antonia Zegers. Proyección en 35mm.
Una historia de amor, íntima y sencilla, contada en su mínima expresión, abarca de manera asombrosa un infinito abanico de posibles historias personales. Cada espectador se sentirá identificado con la magia del primer amor, la adrenalina de un reencuentro casual, los riesgos de abandonar una vida de compromisos para correr detrás de una ilusión. Ambientada en una única locación que se instala como el dispositivo perfecto para la observación detallada de sus personajes, el cuarto largometraje de Matías Bize obtuvo el Goya a la mejor película iberoamericana en 2010.
Domingo 8
16:00
QUIERO ENTRAR (67 min.) Director: Roberto Farías. Elenco: Eduardo Orellana, Daniel Alcaíno, Catalina Saavedra, Alejandro Trejo, Marcial Tagle, Vicente Ruiz. Proyección en DVD.
Es difícil imaginar un peor comienzo. Tratándose de un documental, sorprende que su director tuviera la paciencia de insistir sobre el personaje que nos presenta en la primera escena. Pero lo hizo. No sólo fue paciente, sino extremadamente generoso con Eduardo Orellana. Aspirante a astro de TV, entrado en años, Orellana tendrá a lo largo de Quiero entrar la posibilidad de medir sus dotes actorales con los más talentosos intérpretes de Chile. La única locación se colma de expertos y de sus juegos teatrales. El resultado es el predecible, pero útil en un mundo donde muchos creen que actuar es un juego de chicos. Quién mejor que el fenomenal actor Roberto Farías para demostrar que no es así.
Domingo 8
20:00
MI ÚLTIMO ROUND (90 min.) Director: Julio Jorquera. Elenco: Roberto Farías, Hector Morales, Manuela Martelli, Hector Robles, Tamara Acosta, Ariel Mateluna. Proyección en DVD.
Suele decirse que ser homosexual hoy no es lo mismo que ser homosexual hoy en un pueblo chico. Es por eso que los personajes centrales de esta historia deciden migrar a Santiago apenas se consolida su relación. Ese aspecto anónimo y desprejuiciado que ellos buscan en la gran cuidad, es el que Jorquera dibuja con profundo respeto y calidez para con sus creaturas en cada escena. Un argumento que avanza permanentemente hacia lo evitable, humaniza por completo a este boxeador/peluquero, y a este ayudante de cocina, que elegirán a cada paso su propio destino. La maravillosa actuación de Roberto Farías y la sensible fotografía de este exitoso film, son tal vez las características más destacables entre su cúmulo de virtudes.
CICLO
Bestiario
Hasta el viernes 6
A lo largo de las décadas el cine ha reunido un zoológico bastante excéntrico, en el que nobles canes como Lassie conviven con bestias asesinas como King Kong o Tiburón. Este mes, malba.cine recorre ese zoo imaginario a través de varias decenas de películas en las que distintos animales adquieren un rol protagónico y definen la trama. Se verán films de, entre muchos otros, Jack Arnold, Clarence Brown, David Cronenberg, Joe Dante, Robert Flaherty, John Huston, Shohei Imamura y Nagisa Oshima.
Viernes 6
22:00
Un grito en la oscuridad (A Cry in the Dark, EUA / Australia-1988) de Fred Schepisi, c/Meryl Streep, Sam Neill, Bruce Myles, Charles Tingwell, Nick Tate. 121’.
El caso es real: durante unas vacaciones en el campo australiano, una familia perdió a su hija misteriosamente. La madre aseguró que había sido llevada por un dingo (especie de perro salvaje de la zona) pero las autoridades y los medios dudaron de esa versión por lo que la pareja debió atravesar un larguísimo proceso criminal. El director Schepisi reconstruyó minuciosamente esos hechos en este film, que se destaca dentro del género judicial por el rigor de su puesta en escena, por el suspenso inherente a todo el procedimiento y, desde luego, por el trabajo protagónico de Meryl Streep.
Sábado 7
22:00
Max, una monada (Max mon amour, Francia / EUA / Japón-1986) de Nagisa Oshima, c/Charlotte Rampling, Anthony Higgins, Victoria Abril, Anne-Marie Besse, Nicole Calfan, Pierre Etaix. 97’.
Un atildado diplomático británico descubre que su mujer tiene un amante pero resulta ser que ese amante es un mono llamado Max. Ese es el punto de partida de una sátira social extravagante e impredecible, ideada por Jean-Claude Carriere y tratada por Oshima con el tono ligero de una comedia. Ese abordaje desconcertó en el momento de su estreno a quienes esperaban la sordidez de algunas de sus obras previas, como El imperio de los sentidos. El mono protagonista es una hábil combinación entre un animal real y una serie de aparatos ideados por el especialista Rick Baker.
Sábado 7
24:00
The Relic (EUA-1997) de Peter Hyams, c/Penelope Ann Miller, Tom Sizemore, Linda Hunt, James Whitmore, Clayton Rohner. 110’.
La reliquia en cuestión es un monstruo legendario (denominado por algún motivo C’Thoga), que aparece suelto en un museo. La premisa es vieja como el tiempo (o como el C’Thoga) pero el director Hyams logra renovarla a fuerza de pericia narrativa, combinando recursos digitales modernos con la capacidad sugestiva del mejor cine de suspenso. Alguien tendrá que reconocer alguna vez que Hyams suele saber lo que hace, como pueden probarlo Atmósfera cero (la remake espacial de A la hora señalada) o Capricornio Uno (la película que más hizo por difundir la idea de que el viaje a la Luna fue un invento). Se verá en copia nueva de 35mm.
Domingo 8
22:00
El halcón maltés (The Maltese Falcon, EUA-1941) dir. John Huston, c/Humphrey Bogart, Mary Astor, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Elisha Cook, Jr. 100’
El enfoque narrativo gozaba aquí simultáneamente de las ventajas de ser único y complejo. Por un lado, ninguna escena del film (exceptuada la rápida muerte de Jerome Cowan) omitía la presencia de Humphrey Bogart, detective particular, y nunca el espectador sabía más de lo que éste llegaba a averiguar. Por otro lado, todos los restantes personajes componían una banda criminal empeñada en capturar una joya de paradero incógnito, pero como cada uno de ellos era un ambicioso personal, la cadena engañosa de mentiras, disimulos y reticencias habrían confundido a más de un ajedrecista. El resultado dramático fue el de un continuo suspenso: en un sentido, el film procuraba la búsqueda de la verdad, y comprometía a su espectador en la aventura, suscitándole una atracción similar a la que, con otro planteo, hoy puede formularle Rashomon de Kurosawa. Este intento filosófico, expuesto por las situaciones pero nunca por el diálogo, tenía asimismo un epílogo melancólico. Con el tiempo se supo que Huston era afecto a terminar sus obras con una nota de frustración para sus personajes. Texto de Homero Alsina Thevenet.
ESTRENO
Plaga Zombie. Zona Mutante: Revolución Tóxica
(Argentina, 2012) Hernán Sáez y Pablo Parés
Viernes 6 y 27 a las 24:00
Tres días pasaron desde el avistamiento del primer ovni y sólo tres días les llevó a los invasores abducir a todos los habitantes del pueblo hasta dejarlo vacío. Un puñado de civiles logró organizarse, combatir las amenazas de los invasores, y realizar un plan para intentar salvar al planeta de la invasión zombie-alienígena.
Bill Johnson, John West y Max Giggs regresan en el tercer y último episodio de la ya clásica trilogía creada por FARSA Producciones, que a lo largo de casi 15 años se convirtió en objeto de culto en todo el planeta. Ahora el equipo que realizó los films originales se reúne para realizar Revolución Tóxica, y completar la primera trilogía de muertos vivientes de Latinoamérica. Un film épico, el colofón de una historia que cambió las perspectivas al cine de género en nuestro país.
Ficha técnica
Dirección
Hernán Sáez y Pablo Parés
Director invitado
Paulo Soria
Producción
Matías Nutkiewicz y Paulo Soria
Historia
Paulo Soria, Sebastián Berta Muñiz, Walter Cornás, Hernán Sáez y Pablo Parés
Guión
Paulo Soria, Pablo Parés y Hernán Sáez
Arte y vestuario
Walter Cornás
Fotografía
Diego Echave
Fotografía adicional
Mariano Suárez
FX
Rabbid FX
Música
Pablo Vostrouski
Sonido
Mariano Suárez
Asistente de dirección
Julia Lenzberg
Productor asociado
Filipe Melo, O Pato Profissional LTDA (Portugal)
Elenco
Hernán Sáez, Sebastián Berta Muñiz, Pablo Parés, Walter Cornás, Paulo Soria, Diego Parés, Esteban Podetti, Pablo Fayó.
Argentina, 2011- 90 min
CONTINÚA
Metrópolis, de Fritz Lang + Música en vivo
Entrada especial: $30. Estudiantes y jubilados: $15
Jueves a las 22:00
En la larga lista de restauraciones importantes encaradas en los últimos treinta años, la de Metrópolis es un caso extraordinario. Pero eso no es sorprendente, porque se trata de una obra excepcional desde su misma concepción y es lógico que siga siéndolo en sus sucesivas reencarnaciones. Fue el film más caro de la historia del cine alemán y con el tiempo resultó también ser uno de los más influyentes, pero pocos pudieron verlo tal y como lo concibió su director Fritz Lang: pocos meses después de su estreno, la misma empresa que lo produjo decidió cortarlo y, con el tiempo, el material faltante se dio por perdido. Sólo sobrevivieron diferentes versiones, sustancialmente alteradas.
Pero resultó ser que un distribuidor argentino (Adolfo Z. Wilson) lo adquirió e importó antes de que se hicieran los cortes, y luego un coleccionista (Manuel Peña Rodríguez) conservó una copia local completa hasta su muerte, en 1971. Ese material fue primero reducido de 35 a 16mm. y luego conservado en el Fondo Nacional de las Artes y en el Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken” sucesivamente, hasta su descubrimiento en 2008. Mientras tanto, en Europa, Metrópolis había pasado a ser el film más “restaurado” de la historia. Una nómina probablemente incompleta debería mencionar los siguientes intentos:
1961
El Archivo Cinematográfico Nacional de Praga (entonces Checoslovaquia) realiza un primer intento por mejorar las copias conocidas, en colaboración con otros archivos soviéticos que poseían material alemán confiscado al terminar la guerra mundial.
1972
El Archivo Cinematográfico Nacional de Alemania Oriental, trabajando a partir de la versión checo-soviética, presenta un nuevo intento de reconstrucción con una asesoría indirecta del propio Fritz Lang, que por entonces vivía en Los Angeles.
1981
El historiador Enno Patalas comienza a trabajar en una restauración del film desde el Museo del Cine de Munich, a partir de los elementos reunidos en los intentos previos.
1984
El compositor Giorgio Moroder produce una versión del film con música propia, subtítulos en lugar de intertítulos y agregados de color, que sin embargo se elabora a partir del trabajo de restauración que paralelamente realiza Enno Patalas. A favor de Moroder debe decirse que Metrópolis fue entonces conocida por un público mucho más numeroso que el de museos, cineclubes y cinematecas.
1987
Patalas presenta su reconstrucción del film, que incorpora por primera vez los intertítulos originales (encontrados en Suecia), la estructura narrativa correcta y ciertas imágenes fijas de las escenas perdidas.
2001
La fundación F. W. Murnau produce una nueva restauración que supervisa el especialista Martin Koerber basándose en el trabajo previo de Patalas y acentuando la calidad de la imagen mediante la compilación de los mejores elementos aún existentes y de herramientas digitales.
2004
Patalas produce una “versión de estudio”, que determina con gran exactitud las tomas aún faltantes y su extensión, a partir de la detallada información aportada por la partitura completa de la música original, compuesta por Gottfried Huppertz para el estreno del film.
Tal euforia restauradora se explica porque Metrópolis es uno de los poquísimos films mudos que ingresaron a la iconografía universal y que aún son rentables, por lo que el dinero necesario ha resultado siempre una inversión segura. Eso quedó demostrado por la versión musical de Giorgio Moroder, que en su momento llegó a los cines con un éxito considerable, y luego por la restauración de 2001 dirigida por Koerber, que fue pionera en la aplicación de herramientas digitales sobre un film mudo. En su momento, Koerber transcribió a digital el material con la más alta calidad posible, hizo realizar una “limpieza” cuadro por cuadro que permitió eliminar toda impureza de la imagen y, finalmente, volcó el resultado a 35mm. Cuando se compara esa versión de Koerber con la restauración anterior realizada por Enno Patalas, que ya había recuperado buena parte de la compleja estructura narrativa del film, se advierte que la principal diferencia es precisamente esa “limpieza”, que en términos de textura resulta tan electrónica como la música de la versión de Moroder. Eso no es necesariamente malo, sino “otra cosa”, un probable indicio de lo que vendrá, lo que resulta muy adecuado a una alegoría futurista.
El hallazgo de la versión argentina en 2008, que resulta ser lo más próximo que existe a la intención original de Lang, generó rápidamente la demanda de una nueva restauración, pero al mismo tiempo planteó un problema nuevo: la imposibilidad práctica de unir de manera homogénea las primorosas imágenes de 2001 con lo que Koerber denominó “el material en peor estado que he visto en mi vida”. El nuevo metraje porteño no podía repararse digitalmente porque los daños que provocan sus defectos visibles no se hicieron sobre el material encontrado sino sobre un original en 35mm. del cual aquél se copió (hacia 1971) y que hoy ya no existe. Esos defectos son ahora parte de la imagen y ya no es posible eliminarlos, sino sólo aliviarlos hasta cierto punto. Además, el material porteño es en 16mm., por lo que hay una diferencia de proporción con respecto al fotograma de 35mm. La suma de estas dificultades hubiese hecho abandonar todo intento de reconstrucción si se hubiese tratado de cualquier otro film, pero como se trata de Metrópolis, la fundación Murnau decidió avanzar, y Koerber se lo tomó con filosofía: “Los daños del material nuevo son rastros de todo lo que al film le pasó a lo largo del tiempo. Desde ese punto de vista, es adecuado que el público lo vea”. Como escribió luego el crítico Roger Ebert, “los defectos son insignificantes comparados con el material redescubierto que representan”. La nueva restauración se estrenó en la edición 2010 del Festival de Berlín, y poco después inició una circulación internacional en salas comerciales.
Ahora, finalmente, Metrópolis ha vuelto a ser un film de Fritz Lang: posee la complejidad narrativa que caracteriza sus otras obras mudas, su sentido arquitectónico del montaje, su ritmo. Y vuelve a verse completa en Buenos Aires, ciudad que hizo posible esa resurrección.
Metrópolis se proyectará con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.
Ficha técnica
Metrópolis (Alemania, 1926)
Dirección: Fritz Lang. Argumento: Thea von Harbou.
Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau, Walter Ruttmann.
Dirección artística: Otto Hunte, Erich Kettelhut, Carl Vollbrecht.
Productor: Erich Pommer para UFA. Duración: 145’. 35mm.
Restauración producida por F. W. Murnau Stiftung en sociedad con el Museo del cine “Pablo Ducrós Hicken” de Buenos Aires.
CONTINÚA
El estudiante, de Santiago Mitre
Viernes y sábados a las 20:00
A primera vista, esta es una historia de iniciación: Roque, un joven del
interior, viene a Buenos Aires a estudiar en la universidad y cuando parece
que sólo le interesa conocer chicas empieza a vincularse con la política y a
ascender como dirigente estudiantil. A través de Roque, la película empieza a
desplegar un relato vibrante que se concentra en el punto de vista único de su
protagonista y luego va abriéndose en distintas direcciones: las relaciones
utilitarias, la oscilación pendular entre la ética y la traición, la política como
cuestión generacional, el afán del ascenso veloz de la juventud, la mirada
sobre un futuro que reproduzca un pasado rancio y corrupto o que imagine un
futuro diferente. Santiago Mitre no sólo ha hecho una película que mira el
mundo universitario –espacio poco frecuentado por el cine argentino, a
excepción, quizás, de Dar la cara–, sino que ha puesto a la universidad como
un espejo que refracta tensiones sociales, que es capaz de dibujar una trama
de una lucidez y una infatigable pulsión por narrar la Argentina. Si alguna vez
el llamado “nuevo cine argentino” fue definido como apolítico, El estudiante es
la más brutal y brillante refutación de esa falacia: no sólo es nueva, sino
indispensable.
Ficha técnica
Guión y dirección
Santiago Mitre
Productores
Agustina Llambi Campbell, Santiago Mitre y Fernando Brom
Producción ejecutiva
Agustina Llambi Campbell
Fernando Brom
Fotografía
Gustavo Biazzi
Soledad Rodriguez
Federico Cantini
Alejo Maglio
Arte
Micaela Saiegh
Diseño de producción
Laura Citarella
Música
Los Natas
Diseño de Vestuario
Marisa Urruti
Vestuario
Carolina Sosa Loyola
Sonido
Santiago Fumagalli
Edición
Delfina Castagnino
Asistencia de dirección
Laura Citarella
Juan Schnitman
Jefe de Producción
Ezequiel Pierri
Argentina, 2011 – 110
CONTINÚA
Tierra adentro, de Ulises de la Orden.
Domingos a las 18:00
Estructurada de forma coral, Tierra Adentro cuenta la historia de la lucha por
extender la frontera sur de los estados argentino y chileno, y sus
repercusiones y continuidades hasta el presente, a través de la mirada de
cuatro protagonistas. Un adolescente mapuche de Bariloche, el descendiente
de uno de los generales de Roca, un historiador demostrando su hipótesis y
un periodista recorriendo a lo largo el territorio ancestral mapuche, el
Wallmapu.
Ficha técnica
Productor
KatoLajos
Director
Ulises de la Orden
Guión
Juan Pablo Young y Ulises de la Orden
Director de Fotografía
Alejandro Reynoso
Sonido Directo
Rufino Basavilbaso
Montaje y estructura
German Cantore
Montaje en locación
Ernesto Felder
Jefa de producción
Mariana Abalo
Asistente de dirección
AylenSpera
Asistente de cámara
AnalíaRané
Archivo
Cecilia Félix
Protagonistas
Anahí Mariluán
Marcos O´Farrell
Alfredo Seguel
Mariano Nagy
Pablo Humaña Yankakeo
Argentina, 2011
MALBA Cine | abril 2012