Petra
Cortright

Estados Unidos, 1986Vive y trabaja en Los Angeles, California. Estudió en Parsons The New School for Design, Nueva York y en el California College of the Arts, San Francisco, California. Entre sus exhibiciones se incluyen: "On YouTube. 1Kunst und Playlists aus 10 Jahren,“ Kunsthaus Langenthal, Suiza; "Im Inneren der Stadt," Künstlerhaus Bremen, Alemania; Depart Foundation, Los Angeles, CA (individual); Foxy Production, Nueva York (individual) (todas en 2015); Société, Berlin, Alemania (individual); MAMA, Rotterdam, Holanda (individual) (ambas en 2014); Frieze Film, Frieze Londres; 12ava Bienal de Lyon, Francia (ambas 2013); Spectacle Theater, Brooklyn, Nueva York (individual) (2012) y Preteen Gallery (individual) (2011).

Petra Cortright
VICKY DEEP IN SPRING VALLEY

Club Midnight Berlin, 2013

Marcelo
Galindo

Argentina, 1973 Estudió música en la Escuela de Música Popular de Avellaneda (EMPA), donde recibió el título de Instrumentista de jazz especializado en saxo alto. Posteriormente, se volcó a los campos de la escritura, la performance, la producción de video y la curaduría. Sus videos se proyectaron en Buenos Aires, Londres, Dubái, Seúl, Nueva York, Chicago, Frankfurt, Barcelona, Roma, Río de Janeiro, Santiago, Montevideo y Bogotá. Actualmente se encuentra creando un dibujo animado en coautoría con la artista Mónica Heller, además de desarrollar un proyecto de escritura colectiva y realizar trabajos de curaduría.

BY CHUS MARTINEZLos dos videos de Galindo también son sobre la concentración, pero en el nivel de la obsesión. Somos la mano que lleva un cuchillo y entra en un hogar y golpea y busca a su alrededor. El mundo de Galindo es muy particular; nos sitúa como la mano que sostiene ese cuchillo y puede matar a alguien. ¡Oh! ¡Piensen por un momento! ¡Tiene razón! Si hay un órgano que, en las últimas dos décadas, cobró una nueva celebridad, es la mano; la mano que posee los dedos que tocan las pantallas y que, en definitiva, mueve el mundo. No es extraño, entonces, que la mano se convierta en el centro.

Marcelo Galindo
Galindo 2006

Eduardo
Navarro

Argentina, 1979Asistió al taller de pintura de Sergio Bazán (2002-2003). Participó del Programa de talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas-UBA-Kuitca (2003-2005). Obtuvo un subsidio otorgado por UBS Bank, Zúrich Suiza (2006). Durante los últimos años, participó de residencias como Skowheagan School of Painting, USA (2006), Frankfurter Kustverein, Alemania (2008), Art Omi, EE. UU. (2010), Fondazione Antonio Ratti, Italia (2012), Banff Centre, Canadá (2015).

Entre sus exposiciones individuales se destacan: “Órbita” en el marco de “Ensayo de situación: si yo fuese un pedazo de atmósfera”, Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2013), “Estudio Jurídico Mercosur”, Faena Arte Center, Buenos Aires, (2013) y The Pood Show, The Blanton Museum / Art Palace Austin, Texas, Estados Unidos (2006).

Algunas de sus exposiciones colectivas de las que participó: “From Confrontation to Intimacy”, Americas Society, Nueva York, EE. UU. (2007), “The Great Transformation”, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Alemania (2008), “Grito e Escuta” Bienal de Puerto Alegre Brasil (2009) y “There is always a cup of sea to sail in” Bienal de San Paulo Brasil (2010), “Si el clima lo permite” Bienal de Puerto Alegre, Brasil (2013), “Aquella mañana…” Parque de la Memoria, Buenos Aires, (2013). ”Ir para Volver” Bienal de Cuenca, Ecuador (2014). ”We the Outsiders”, e-flux, Nueva York (2014), “Surround Audience” Trienal del New Museum Nueva York (2015), y “The Past, the Present, the Possible” 12 Bienal de Sharjah, Emiratos Arabes (2015).

Takeshi
Murata

Chicago, 1974Takeshi Murata nació en 1974 en Chicago. Se graduó en la Rhode Island School of Design en 1997, obteniendo una licenciatura en artes con especialización en film/video/animación. Murata expuso en el Museum of Fine Arts, Houston, Texas; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, California; Taka Ishii Gallery, Tokio, Japón; Peres Projects, Los Ángeles; Gavin Brown's Enterprise, Nueva York; Eyebeam, Nueva York; FACT Centre, Liverpool, Inglaterra; Contemporary Arts Center, Cincinnati, Ohio; Mattress Factory, Pittsburgh, Pennsylvania; New York Underground Film Festival; Smack Mellon, Brooklyn, Foxy Production, Nueva York y Deitch Projects, Nueva York, entre otras. En 2007, realizó una exposición individual titulada Black Box: Takeshi Murata, en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en Washington, D.C.. Otras exposiciones recientes tuvieron lugar en Vox Populi Gallery, Filadelfia, Museum of Art and Design, Nueva York y Ratio 3, San Francisco.

Takeshi Murata produce trabajos digitales que reconfiguran la experiencia de la animación. Su innovadora práctica y procesos en constante evolución oscilan entre intricadas animaciones dibujadas a mano y asistidas por la computadora, a manipulaciones de fallas, defectos y códigos rotos en videos de tecnología digital. Murata vive y trabaja en Saugerties, Nueva York.

Takeshi Murata
Pink Dot, 2007

pink dot

Federico Manuel
Peralta Ramos

Mar del Plata, 1939 – Buenos Aires, 1992Fue un artista argentino autodidacta. En 1968, utilizó los fondos de su Beca Guggenheim para una extravagante cena y para comprar algunas pinturas. La reacción de la institución provocó que Federico escribiera los Mandamientos Gánicos, una serie de mandamientos contradictorios presentados en un programa estético sobre cómo tomar la vida como una obra de arte. Después de 1969, Peralta Ramos apareció en shows de TV y en 1970 grabó lo que denominó sus “canciones no figurativas”. Entre sus exhibiciones individuales se destacan: “El objeto es el sujeto”, CAYC, Buenos Aires (1972), “La salita del gordo”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (1986), “Federico Manuel Peralta Ramos”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (1989) y “Federico Manuel Peralta Ramos. Retrospectiva”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2003.

Wilfredo
Prieto

Cuba, 1978Prieto estudió en el Instituto Superior de Arte de La Habana y realizó residencias en Gasworks, Londres; Le Grand Café, St. Nazaire, Francia; John Simon Guggenheim Foundation, Nueva York; y Kadist Art Foundation, París. Sus últimas exposiciones individuales fueron en el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana (2015), S.M.A.K., Gent (2014), NMAC Foundation, Cadiz (2013), Sala de Arte Público Siqueiros, México (2012), 11va Bienal de La Habana (2012), ARTIUM, Vitoria (2011), Kunsthalle Lissabon, Lisboa (2011), Dia Art Foundation, Nueva York (2007).

Los trabajos de Wilfredo Prieto fueron incluidos en numerosas exposiciones colectivas, entre las que cabe mencionar, la 12a Bienal de la Habana (2015), Lentos Kunstmuseum Linz, Linz (2014), Centre d`Art la Panera, Lleida (2014), Museum of Fine Arts, Boston (2014), Stedelijk Museum Bureau, Amsterdam (2013), Evento colateral de la 55va Bienal de Venecia, Venecia, (2013), Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M), Móstoles, Madrid (2011), 29va Bienal de San Pablo, San Pablo (2010), De Appel Arts Centre, Amsterdam (2010), 12ª Bienal de Arquitectura de Venecia (curada por Stefano Rabolli), Venecia (2010), CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2009) y MoMA, Nueva York (2008). Recibió los siguientes premios: The Cartier Award (Frieze, Londres, 2008) y 2000 UNESCO Prize for the Promotion of the Arts (7ma Bienal de La Habana, DUPP, La Habana, 2000).

BY CHUS MARTINEZLa obra de Wilfredo Prieto Miren el tamaño de este mango casi no necesita introducción a este respecto. El humor y el absurdo son, una vez más, las herramientas que nos dan una nueva percepción sobre nuestra relación con los medios y el poder. Más aún, el carácter idiota de todo ello constituye el núcleo de la obra. Hay un aire de familiaridad entre el trabajo de Federico Manuel Peralta Ramos, Eduardo Navarro, Wilfredo Prieto y William Wegman; alguna invitación del tipo de “no sea tonto, vuélvase un idiota”. Vuélvase inocente, permítase empaparse de la transformación de su tiempo, de los cambios que se producen fuera del ser humano. Simplemente, “transfórmese en una nube”, como cantaría en voz alta Peralta Ramos.

Jon
Rafman

CA, 1981Estudió Filosofía y Literatura en la Universidad Mc Gill y asistió al School of the Art Institute en Chicago. Ha realizado exposiciones individuales como “Mirror Sites”, International Art Objects y M+B Art, Los Angeles (2012), “Nine Eyes of Google Street View”, Angell Gallery, Toronto (2012), “Brand New Paint Job MMXII”, American Medium, Nueva York (2012); y colectivas como el “Contact Photography Festival”, Museum of Contemporary Canadian Art (2012), “From here on”, Rencontres photographiques, Arles (2011) y “Free”, New Museum, Nueva York (2010). Sus próximas exhibiciones serán en la Saatchi Gallery, Londres, y HD:Projects, Nueva York.

Jon Rafman explora en su trabajo las paradojas de la modernidad, las fuentes de la soledad y la alienación de los individuos contemporáneos. A través del uso del humor, la ironía y la melancolía, su trabajo se desarrolló a través del uso de los medios digitales, y el rico potencial que ofrecen las nuevas tecnologías. Sumergiéndonos en un universo de incertidumbre, oscilando entre la familiaridad y la ficción narrativa, Jon Rafman nos conduce a mundos paralelos a través de escenarios que ponen al individuo cara a cara con la fábula de la realidad.

Jon Rafman
Juan Gris Dream Home, 2013

VIDEO HD
EDICIÓN DE 3 CON DOS PRUEBAS DE ARTISTA
DURACIÓN: 2' 10''
CORTESÍA DEL ARTISTA Y FEUER/MESLER,
NEW YORK

William
Wegman

Estados Unidos, 1943Recibió una licenciatura en pintura en el Massachusetts College of Art, Boston en 1965 y una Maestría en Bellas Artes, con especialización en pintura, en la Universidad de Illinois en 1967. Para principios de los años 70, el trabajo de Wegman se exhibía en museos y galerías internacionales. Su trabajo fue seleccionado en exposiciones como "When Attitudes Become Form," y "Documenta V" y participó/colaboró en Interfunktionen, Artforum y Avalanche.

Wegman creó trabajos de film y video para Saturday Night Live, Nickelodeon y Sesame Street. En 1995, su film The Hardly Boys, fue proyectado en el Sundance Film Festival. Después de una pausa de 20 años, regresó al formato de trabajo de los 70 produciendo dos nuevas series de trabajos en video en 1998 y 1999.

Se han realizado numerosas retrospectivas sobre el trabajo de Wegman, entre ellas "Wegman's World”, que se inauguró en el Walker Art Center, Minneapolis en 1981 y recorrió los Estados Unidos, y "William Wegman: Paintings, Drawings, Photographs, Videotapes”, que se inauguró en el Kunstmuseum de Lucerna en 1990 y viajó a diferentes sedes a lo largo de Europa y los Estados Unidos, incluyendo el Centro Pompidou en París y el Whitney Museum of American Art en Nueva York. Sus exposiciones más recientes incluyeron retrospectivas en Suecia, Japón, Corea y España. William Wegman vive en Nueva York y Maine donde continúa produciendo videos, tomando fotografías y realizando dibujos y pinturas.

BY CHUS MARTINEZPara esta ocasión no elegí una pieza oscura, sino su obra más famosa. Dog Duet [Dueto canino] muestra una verdad obvia: los perros pueden ser adiestrados más fácilmente que los gatos, por ejemplo. Todavía recuerdo una conversación con John Baldessari en la que me dijo: “Wegman lo intentó con gatos antes de recurrir a los perros”. Siempre estuve interesada en la obra de los dos artistas, y fue recién entonces, hablando con Baldessari, cuando me enteré de que eran buenos amigos y de que solían intercambiar regularmente opiniones sobre su trabajo. Con respecto al asunto de los gatos, tengo mis reservas, dado que el sentido del humor de Baldessari es tan refinado como bien conocido. Pero integré completamente el comentario en mi imagen de la obra de Wegman. Es cierto, qué bien, los perros pueden ser entrenados fácilmente. Sin embargo, la pieza, como muchas otras, no se centra en este hecho obvio, sino en otro rasgo: la concentración. Los dos perros, como el huevo, están concentrados en la propuesta que un humano les hizo: sigan esta pelota. Lo hacen como si esto pudiera continuar eternamente. Imagínenlos en este estado de hiperconcentración por siempre, no solo durante el breve momento en que los observan, sino como un estado continuo que determinará que se transformen en perros diferentes de aquellos a los que estamos acostumbrados. Los animales no son una metáfora de los seres humanos que pueden caer fácilmente en trampas y desarrollar un comportamiento falto de sentido crítico capaz de forzarlos a actuar de maneras que consideran reprobables. No; la obra no transfiere las miserias humanas a un mundo animal. Tiene que ver con la concentración y la clase de mundo que aparece en nuestras mentes cuando ellos se concentran y nosotros nos concentramos, también, al observarlos. La pieza representa una idea muy real: la posibilidad de producir una inmersión que no esté basada en un lenguaje estético totalizador o un método Gesamtkunstwerk, pero tampoco basada siquiera en una ficción fantástica, sino simplemente en entrenarnos mediante un cierto comportamiento.